Ein singapurischer Chocolatier, der Süßigkeiten mit Algen, Curry und Satay-Gewürzen anreichert

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Besuchen Sie dies

Ein Tribeca Hotel mit französischer Einstellung

Eine Ecksuite im Fouquet’s New York Hotel mit Kunstwerken von Mandy Racine. Anerkennung… Matthieu Salvaing

Durch Jameson Montgomery

Einhundertundlederne Jahre, nachdem François André Barrière seine gleichnamige Hotelmanagementgruppe gegründet hat, eröffnet das Unternehmen, das für seine Luxusunterkünfte und Casinos in ganz Frankreich bekannt ist, sein erstes Hotel in den Vereinigten Staaten in einem Kopfsteinpflasterblock in TriBeCa mit 325 Fuß Straße -Level-Front. Um den französischen Stil der Hotelgruppe mit ihrem neuen Standort auf der anderen Seite des Atlantiks zu verschmelzen, holte sich das Team den schwedischen Innenarchitekten Martin Brudnizki. Die Lobby von Fouquet in New York orientiert sich an der Arka Deco-Bewegung, einer natürlichen ästhetischen Brücke zwischen New York und Paris, die sich in der juwelenartig abgeschrägten Glasverkleidung der Rezeption zeigt, hinter der sich eine wandgroße Chromplatte des israelisch-amerikanischen Künstlers Nir Hod befindet spiegelt Passanten auf der Desbrosses Street draußen wider. Während alle Gästezimmer mit plissierten Seidenvorhängen und Akzenten in Pistazien und Flieder ein Farbschema haben, das sich anfühlt wie eine Schachtel Macarons, verfügen einige auch über maßgefertigte Toile de Jouy-Tapeten mit Wahrzeichen von New York City und Tauben mit Croissants. Ein unterirdisches Spa bietet eine umfangreiche Auswahl an Behandlungen sowie einen Hydropool-Whirlpool, eine Sauna und ein Dampfbad. Ein Außenposten der Pariser Brasserie Fouquet’s, die in den kommenden Wochen eröffnet wird, verankert die Speiseoptionen des Hotels mit einem Menü, das von Pierre Gagnaire in Zusammenarbeit mit dem Küchenchef Philippe Orrico kreiert wurde und Klassiker wie Hummer-Thermidor und Crêpes Suzette serviert. Das ursprüngliche Fouquet’s auf den Champs-Élysées ist auch dafür bekannt, im Anschluss an die jährliche César-Verleihung ein Galadinner zu veranstalten. In Anlehnung an diese Tradition verfügt das New Yorker Hotel über einen akustisch isolierten Vorführraum mit 100 Sitzplätzen – eine passende Ergänzung zu einem Viertel, das eine eigene Kinotradition hat. Ab 1.100 $, www.hotelbarriere.com .


ISS das

Craft Chocolate Inspiriert von Street Food aus Singapur

Fossa-Pralinen haben Verkostungsnotizen wie „betäubende, würzig duftende Pfannengerichte in einem Riegel“ und „anhaltende Litschi-Süße mit einem Biskuit-Unterton“. Anerkennung… Mit freundlicher Genehmigung von Fossa

Durch Mahira-Flüsse

In der Welt der Craft-Schokolade gibt es Geschmackshierarchien. Ganz oben sind Riegel, die hauptsächlich aus Kakao bestehen, eher bitter als süß, während irgendwo unten die Üppigkeit von mit Butterfett angereicherter Milchschokolade ist. Doch für Fossa, einen unabhängigen Schokoladenhersteller mit Sitz in Singapur, gelten diese Konstrukte nicht. „Wir werden uns bei der Art der Basisschokolade nicht einschränken, ob dunkel, milchig oder blond“, sagt Firmenmitbegründerin Yilina Leong. „Am wichtigsten ist uns, wie wir Geschmack erzeugen können.“ Jeder Riegel – hergestellt aus erstklassigem Spezialkakao von verschiedenen Direkthandelsfarmen auf der ganzen Welt – ist so gestaltet, dass er feine und seltene Zutaten oder die neueste kulinarische Muse der Gründer hervorhebt. Zu den jüngsten Gewürzen gehören chinesische Tees von Pekoe & Imp; Algen aus der Präfektur Tokushima in Japan; und gerösteten Curryblättern. „Wir verwenden Schokolade als Leinwand, um diese Aromen zu präsentieren“, sagt Leong. Die neueste Kollektion von Fossa ist von den Hausmannskost Singapurs inspiriert, und die neueste Tafel des Chocolatiers orientiert sich an Satay, einem allgegenwärtigen Straßenessen, und der dazugehörigen Erdnusssauce. Der Satay-Sauce-Riegel, der zu 48 Prozent aus Kakao besteht – also technisch gesehen eine Milchschokolade – enthält Erdnusspralinen, Kreuzkümmel, Fenchel und andere Gewürze. Es wird mit ethisch vertretbarem Kakao aus der Kokoa Kamili-Fermentation in Tansania kombiniert, der ein leichtes grünes Apfelprofil und eine glatte, cremige Textur hat, die die geröstete, nussige Süße und das schwache Summen holziger Gewürze ausgleicht. Ab $10, www.fossachocolate.com.


Begehren Sie dies

Strukturierte Gemälde aus Marrakesch

Links: Laurence Leenaert in ihrem Atelier im Viertel Sidi Ghanem in Marrakesch. An der Wand hängt eine fast vollständige Version von „Chergui“ (2022), wie die staubigen Südwinde genannt werden, die durch die Stadt wehen, und sie arbeitet an „Palmiers Sur la Route“ (2022). Rechts: die fertige Version von „Palmiers Sur la Route“. Anerkennung… Links: Laurence Leenaert. Rechts: Mit freundlicher Genehmigung von Cadogan Contemporary

Durch Kate Guadagnino

Lrnce, Laurence Leenaerts Linie aus Keramik, Teppichen und Textilien, die in Zusammenarbeit mit marokkanischen Handwerkern hergestellt wurde, startete kurz nach ihrem Umzug von ihrer Heimat Belgien nach Marrakesch im Jahr 2015. Aber obwohl sie viel Befriedigung aus der Herstellung ihrer Waren zog, wollte sie etwas, das gerecht war für sie, also fing sie an zu malen. Wie ihre anderen Arbeiten sind ihre Leinwände abstrakte Aufnahmen der Sehenswürdigkeiten ihrer Wahlheimat und zeigen cremefarbene Hintergründe mit Freiformlinien und Formen in fröhlichen Farbtönen. Sie blieben nur für sie, bis Freddie Burness, der Direktor der Londoner Cadogan Gallery, einen Blick darauf warf, und die dritte Ausstellung des Künstlers in diesem Raum ist jetzt zu Ende. Wie immer spiegeln die enthaltenen Arbeiten Leenaerts Faszination für Verfahren und Materialien wider. Sie beginnt mit dem Sammeln von handgewebten Stoffen, die sie zerschneidet, neu zusammenfügt und direkt auf die Leinwand näht. Diesmal experimentierte sie mit stimmungsvolleren Farben und mit Terrakotta-Ton als Farbe, bearbeitete den Boden und trug ihn mit den Fingern auf. „Es geht nicht um die Gemälde, sondern um die Möglichkeiten, und die sind hier endlos“, sagt Leenaert, deren Lieblingsstück „Route Étroite“ (2022) heißt und „alle kleinen Straßen der Medina der Stadt“ zeigt und all die kleinen Dinge, die einem auffallen, wenn man sich zurechtfindet.“ „Laurence Leenaert: Argile et Rêves“ ist bis zum 8. Oktober zu sehen. www.cadogangallery.com .


Schau dir das an

Ein surreales Kino, das das Leben im Lockdown darstellt

In „Remote“ von Mika Rottenberg und Mahyad Tousi lenkt sich Unoaku (Okwui Okpokwasili) von der Quarantäne ab, indem sie sich Hundepflegevideos durch eine intelligente Brille ansieht. Anerkennung… © Mika Rottenberg und Mahyad Tousi. Mit freundlicher Genehmigung der Künstler und Hauser & Wirth

Durch Adriane Quinlan

Während einige von uns scherzten, Quarantänen würden uns zu Brotback-Hausfrauen machen oder uns in den Wahnsinn treiben, dachte der Bildkünstler Mika Rottenberg über „Jeanne Dielman, 23, Quai du Commerce, 1080 Bruxelles“ (1975), das Chantal Akerman Kino über a hausfrau wer Arbeit getriebener Mensch. Für ihren ersten Spielfilm, den sie gemeinsam mit Mayhad Tousi geschaffen hat und der nächsten Monat beim New York Cinema Festival debütiert, ersetzt Rottenberg die unterdrückte Witwen-Protagonistin durch Unoaku (Okwui Okpokwasili), eine Karrierefrau, die wegen einer zukünftigen Pandemie außerhalb des Bildschirms eingesperrt ist. Die tristen Innenräume des Nachkriegsbelgien wurden mit afrofuturistischen Tapeten neu gestaltet, und Lieferdrohnen summen an den Fenstern, während Unoaku ihre eigenen traurigen Kartoffeln schält. Rottenbergs surreale Videos haben regelmäßig die Seltsamkeit unserer Arbeit offenbart, indem sie zeigen, wie Perlen in Austern gesät werden („NoNoseKnows“, 2015) oder Kartoffeln aus dem Boden gekratzt werden („Spaghetti Blockchain“, 2019 ) . In „Remote“ enthüllen sie und Tousi die Besonderheiten unserer Lockdowns zwischen Bildschirmen, eine Idee, die Rottenberg sagt, als sie über „die seltsame Erfahrung sprachen, so einfach durch das World Wide Web zu reisen, während man physisch an einem Ort feststeckt“. Unoaku verbringt jeden Tag damit, auf einen Bildschirm zu tippen, der für den Betrachter völlig unsichtbar ist – so unmöglich zu sehen, wie sich die Produkte unserer Arbeit unter Lockdown manchmal anfühlen. „ Remote“ ist am 12. Oktober im Francesca Beale Theatre und am 13. Oktober im Howard Gilman Theatre zu sehen. filmlinc.org .


Sieh dir das an

Die Möbel einer abgelegenen Capri-Villa, ausgestellt auf der Upper East Side

Eine originale Walnuss- und Tuffkonsole, die von Curzio Malaparte vor Ort in der Casa Malaparte in Capri, Italien, entworfen wurde. Anerkennung… © Malaparte. Foto: Dariusz Jasak

Durch Laura Bannister

„Die surrealen Dimensionen sind schockierend“, schrieb der Architekt Stephen Hull zuvor über Casa Malaparte, einen strengen, unwahrscheinlichen Koloss einer Villa, die auf einem zerklüfteten Vorgebirge an Capris Ostküste thront. Im Auftrag von Curzio Malaparte – ein Pseudonym für den italienischen Schriftsteller, Herausgeber, Avantgardisten und Faschisten, der zum Kommunisten wurde, Kurt Erich Suckert – ist das Haus von 1941 ein facettenreiches Porträt seines Besitzers, das aus dem windgepeitschten Kalkstein seiner einsamen Umgebung gehauen wurde. Sein Dach dient gleichzeitig als trapezförmige Treppe zum Himmel. Die Außenwände, die zuvor weiß waren, wurden am Ende des Zweiten Weltkriegs in Zinnober, der Farbe des Blutes, neu gestrichen. Malaparte bastelte am ursprünglichen Entwurf der Villa des Architekten Adalberto Libera herum, bis ihre Struktur etwas zwischen einem gestrandeten Kreuzfahrtschiff und einem großen Mausoleum ähnelte.

Der jüngste Nachkomme des Schriftstellers, Tommaso Rositani Suckert, verbrachte die Sommer seiner Kindheit in Casa Malaparte und arbeitet nun daran, sein Erbe zu bewahren. Bis zum 22. Oktober werden Besucher des Außenpostens von Gagosian eine spärliche Annäherung an das Wohnzimmer des Anwesens betreten, das neben einer Vitrine präsentiert wird, die seltene Ausgaben von Malapartes „Kaputt“ (1944) und „The Skin“ (1949) sowie grüblerische Fotografien davon enthält Schriftsteller an anderen historischen Stätten am Tyrrhenischen Meer. Die einzigen Möbelstücke der Ausstellung – eine Bank, ein Tisch und eine Konsole, alle von Malaparte entworfen – sind von Suckert in Auftrag gegebene Editionsreproduktionen in identischem Maßstab und Material. Als Suckert die Korrespondenz zwischen Malaparte und seinem Zimmermann las, war er überrascht über „die Kraft von Malapartes Worten bei der Vermittlung der Formen und sehr präzisen ästhetischen Richtlinien“. Hier, weit weg von ihrem Ursprungsort, spiegeln die Stücke Casa Malapartes kunstvoll geschnitzte Walnussblöcke, gedrungene Säulen aus Carrara-Marmor, Tuffstein und gebogene Kiefer wieder. Hinter jedem befindet sich ein gerahmter Digitaldruck der Fensteraussichten des Zimmers: blaue Meere und Klippen, ohne dass ein Mensch in Sicht ist. „ „Casa Malaparte: Furniture“ ist bis zum 22. Oktober zu sehen. gagosian.com .


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Eine Hommage an den Stil der 60er – und eine modische Liebesgeschichte

Links: Jim Lees „Ossie Clark, Parrot“ (1968). Rechts: „Flowers Girls“ (1968), aus dem Skizzenbuch von Celia Birtwell. Anerkennung… Links: © Jim Lee. Rechts: © Celia Birtwell

Durch Megan O’Sullivan

Die Liebesgeschichte der Textildesignerin Celia Birtwell und des 1996 verstorbenen Modedesigners Ossie Clark wird im italienischen Prato in der neu eröffneten Ausstellung „Mr. & Frau Clark.“ Nachdem sie sich 1962 als ehemalige Studenten in Manchester kennengelernt hatten, begannen die beiden eine jahrzehntelange Romanze und dauerhafte Freundschaft. Sie waren vor allem dafür bekannt, gemeinsam Kleidungsstücke zu kreieren, die für die Swinging Sixties sinnbildlich sind, darunter eine Reihe von androgynen Overalls für Mick Jagger und böhmische Roben, die aus Birtwells Garten-inspirierten Drucken geschnitten wurden. Die vom Journalisten Federico Poletti kuratierte Ausstellung zeigt 40 ikonische Kleidungsstücke, die jeweiligen Skizzenbücher der Künstler, redaktionelle Fotografien des Paares und exklusives Filmmaterial der von ihnen produzierten Modenschauen – all dies zeigt den unbestreitbaren Einfluss, den Birtwell und Clark aufeinander hatten . Ein durchsichtiges, gestuftes Kleid mit Glockenärmeln verkörpert Clarks gewagten Designansatz, ein cremefarbenes und mohnrotes Kleid mit Kragen veranschaulicht die charakteristischen Kleider des Paares mit zwei Mustern und ein Seidenkleid in A-Linie mit dem Titel „Mystic Daisy“ – Birtwells Favorit – ist repräsentativ für der charakteristische Flower-Power-Stil des Paares. Obwohl sich Birtwell und Clark 1974 kurz vor ihrer letzten Präsentation im King’s Road Theatre trennten, ist das gemeinsame häusliche Leben des Paares in dem Porträt verewigt, das ihr gemeinsamer Freund David Hockney von ihnen malte. Birtwell hat eine Hoffnung für die retrospektive Ausstellung des Rückens ihres ehemaligen Partners: „Er sollte niemals vergessen werden. Ich möchte immer ein Licht auf seine Arbeit werfen. ” „Herr. & Mrs. Clark“ ist bis zum 8. Januar zu sehen. museodeltessuto.it .


Von Ts Instagram

Australische Blumenmuster, die endlich die australische Flora umarmen

Die New York Times

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