Yvonne Rainer, eine Gigantin der Choreographie, macht ihren letzten Tanz
1966 präsentierte Yvonne Rainer „Trio A“, ein Solo, das Bewegung über Ausdruck betonte. Indem Tanz von Erzählung, Emotion und sogar vom Blick des Tänzers befreit wird – es gibt keinen Blick auf das Publikum – könnten die Schritte glänzen. Und diese Schritte, ausgeführt mit dem gleichen Temperament, egal wie einfach oder schwierig, war der Tanz. Was hat Rainer verbannt? Affektiertheit.
In einer weiteren Iteration von „Trio A“ im Jahr 1970 wurde die Arbeit auf sechs Tänzer ausgeweitet, darunter Rainer, die bei der People’s Flag Show in der Judson Memorial Church in New York nackt mit amerikanischen Flaggen um den Hals wie Langhanteltops auftraten. Die Veranstaltung war eine Reaktion auf die Anklage gegen den Galeristen Stephen Radich, weil er Arbeiten gezeigt hatte, die die Flagge entweihten. Zensur, Vietnamkrieg – das waren Tagesthemen.
Jetzt, mit 87 Jahren und 61 Jahren Choreografie hinter sich, ist Rainer noch entsetzter über den Zustand der Welt. Als selbsternannter Nachrichtensüchtiger – „wähle, stimme, Abstimmung, “, sagte sie und fasste die Angst zusammen, die sie beim Lesen der Zeitung empfindet – sie gibt „Hellzapoppin‘: What About the Bees?“ den letzten Schliff, der ab Mittwoch bei New York Live Arts aufgeführt wird. Sie nennt es ihren letzten Tanz.
Angesichts ihres Alters macht es Sinn. Aber ist es wirklich wahr? „Ja, ich glaube, es ist meine letzte Produktion“, sagte sie, während sie auf einer sonnengesprenkelten Bank in einem Park in der Nähe ihrer Wohnung in Washington Heights saß. „Ich weiß nicht. Ich habe keine Ideen mehr.“
RoseLee Goldberg, Gründungsdirektorin und Chefkuratorin von Performa, die in den letzten Jahren mehrere von Rainers Werken in Auftrag gegeben hat, sieht das anders. „Die Energie kommt einfach weiter, die Innovationskraft kommt einfach weiter“, sagte sie. „Wenn sie es sich nächstes Jahr anders überlegt, werden wir für sie da sein – wann immer sie bereit ist.“
Rainer, Gründungsmitglied des Judson Dance Theatre, dem experimentellen Kollektiv, das in den 1960er Jahren den postmodernen Tanz hervorbrachte, war Teil einer Generation, die das Feld revolutionierte. Ihr „No Manifesto“ von 1965 legte eine neue Herangehensweise an den Tanz dar, indem sie beispielsweise eine Opposition zum Spektakel, zum Lager oder zur Virtuosität formulierte. Sie hat es inzwischen verleugnet, aber sie weiß, dass es zusammen mit „Trio A“ ihr Vermächtnis sein wird. „Nun, ich muss lachen“, sagte sie trocken. „Ja. Abstimmung”
Doch wenn sich „Hellzapoppin’“ als ihr letztes Werk erweist, macht sie es sich nicht leicht. Ihr Thema ist schwierig: Rennen in Amerika. Und es ist eine persönliche Arbeit. Rainer, die in San Francisco mit Eltern aufgewachsen ist, die sich für radikal hielten – ihre einsame Kindheit umfasste eine Zeit, in der sie und ihr Bruder in ein Internat geschickt wurden –, tritt als weiße Frau an, die in einem bestimmten geboren wurde Zeit.
„Ich bezeichne mich sehr offen als Rassistin, die sich ständig erholt“, sagte sie. „Ich bin in einem rassistischen Umfeld aufgewachsen. Die Widersprüche, dass meine Eltern Anarchisten sind und dennoch in einer völlig weißen Nachbarschaft leben und schwarze Haushälterinnen kommen.“ (Ihre Mutter würde erniedrigende Dinge über die Haushälterinnen sagen.)
Sie fügte hinzu: „Das Milieu, in dem ich Künstlerin wurde, wie das Judson Dance Theatre, war eine völlig weiße Gemeinschaft, für die wir fast liebevoll waren. Aber wir haben uns nicht gemeldet.“
In gewisser Weise ist Rainers letzter Tanz eine Geschichte über das Ende des Lebens und das Erwachsenwerden, eine Gelegenheit für beide, ihre Geschichte zu untersuchen und sich mit vertrauten künstlerischen Mitteln zu äußern: Worte, Tanz und die Vorstellung von „radikaler Gegenüberstellung“, “, ein Begriff, der von Susan Sontag verwendet wird, um surrealistische Techniken zu beschreiben, und der sich auf die Montage scheinbar ungleicher Objekte bezieht.
In „Hellzapoppin“, produziert und präsentiert von Performa with Live Arts, mischt Rainer Voice-Over, Musik und Bewegungsquellen von Laurel und Hardy, „The Dying Swan“ und zwei Filmen: „Hellzapoppin’“ (1941) und Jean Vigos „Null für Verhalten“ (1933). Die bloße Vorstellung, Dinge zusammenzusetzen, die eigentlich nicht zusammengehören, erfüllt sie immer noch mit Freude. Rainers Humor landet fest im Land der Deadpans.
Um sich frei zu machen, ihre Meinung zu sagen, schreibt Rainer aus der Sicht des Sonnengottes Apollo Musagétés. „Apollo geht umher und macht diese Erfahrungen“, sagte sie, „beobachtet und versucht, einige Einblicke in das zu gewinnen, was er im sozialen Leben von New York sieht.“
Der Text, der in einem Voice-Over präsentiert wird, wird von David Thomson, einem schwarzen Mitglied der Besetzung, gelesen. Wenn ein Schwarzer über weißen Rassismus spricht, werden die Worte noch rauer, obwohl der Prozess für Thomson nicht ganz reibungslos verlief. Als Rainer ihn bat, das Voice-Over zu übernehmen, bat er sie, Teile herauszuschneiden.
„Ich dachte: ‚Ich werde das einfach nicht sagen'“, sagte er. „Ich fragte sie: ‚Warum wolltest du, dass ich dieses Voice-Over mache?‘ und sie sagt: „Nun, Sie haben eine Autoritätsstimme, und ich denke, das wäre großartig. Das braucht es, denn es ist Apollo Musagétés.’“
Rainers Text kann manchmal alarmierend sein. Es enthält Erinnerungen von Jane, einer älteren weißen Frau, die als Bekannte beschrieben wird – eindeutig eine Vertretung für Rainer. In einer Passage teilt Jane die Erinnerung, als Schreibkraft neben „einer älteren, etwas übergewichtigen schwarzen Frau“ gearbeitet zu haben. Eines Tages vergisst Jane den Namen der Frau und spricht sie an: „Wie jetzt, braune Kuh?“
Indem sie ihre Scham zum Ausdruck bringt, wirft Rainers unverblümte Herangehensweise Fragen auf: Ist sie naiv? Verletzlich? Ahnungslos? Pat Catterson, eine langjährige Rainer-Tänzerin und stellvertretende Regisseurin von „Hellzapoppin“, sagte: „Es sind wirklich Geschichten über Dinge, die Yvonne in Bezug auf Rassen passiert sind, und wie sie gelernt hat, wie weiß und dumm wir im Grunde sind“, sagte sie. „Was wir sind.“
Die große Tanzsektion von „Hellzapoppin’“ leiht sich eine von Frankie Manning für das Kino von 1941 choreografierte Lindy-Hop-Szene. Das Tanzen ist außergewöhnlich und Rainer ist davon besessen. Sie bat Catterson um Hilfe bei der Nachbildung, aber Catterson zögerte, besorgt über die Aneignung und die Authentizität des Tanzes. Sie bat Rainer, auf den rassischen Kontext einzugehen. Warum hat sie es aufgenommen? Die Tänzer mögen diejenigen sein, die die Leinwand erhellen, aber im Kino sind sie Diener.
„Wie kann ich zu diesem späten Zeitpunkt so ahnungslos sein?“ Rainer fragte jeden in einer E-Mail. „Nun, es ist nie zu spät.“
Am Ende teilte Catterson die achtköpfige Besetzung in zwei Gruppen auf; sie haben nur die dynamischen Aufzüge oder Überschläge gelernt, die sie mit gegenseitiger Unterstützung nachbilden. Wenn es nötig ist, können sie sich durchreden. Was fehlt, sind die eigentlichen Tanzschritte. Was Catterson wichtig ist, ist die Arbeit hinter der Handlung.
„Wir versuchen etwas zu tun, was wir in der Welt wirklich nicht schaffen können: Wir versuchen, dieses Rennen-Ding zu überwinden, und wir können es wirklich nicht schaffen“, sagte sie. „Also ist es langsam und es erfordert viel Zusammenarbeit und es ist schwierig.“
Der Tanz enthält auch eine Szene, die von der Zeitlupen-Kissenschlacht in „Zero for Conduct“ inspiriert ist, die Rainer zum ersten Mal als Teenager gesehen hat. Bei dem Kampf an einer reinen Jungenschule überholen die Schüler ihren Vormund. Catterson sieht beide Szenen als Beispiele für die Rebellion gegen Normen: den Lindy Hop, der mit einer Art wildem Trotz aufgeführt wird; und die Kissenschlacht mit ihrer rauhen Hingabe.
Und auch das gehört zu Rainers avantgardistischem Vermächtnis: den Status quo zu hinterfragen und sich dagegen zu wehren. Mit ihren Judson-Landsleuten – darunter Trisha Brown, David Gordon und Steve Paxton – kämpfte Rainer gegen die Emotionen und Narrative des traditionellen zeitgenössischen Tanzes und gegen Choreografen wie Martha Graham, die eine ihrer Lehrerinnen war. Nachdem sie nach New York gezogen war und die Schauspielerei für den Tanz aufgegeben hatte – „Ich war ein Reinfall in der Stanislavsky-Methode“, sagte sie – studierte Rainer an der Graham School.
„Einen Tag vor dem Unterricht liege ich auf dem Boden und strecke mich in der zweiten Position aus, und sie kommt zu mir und sagt zu mir: ‚Wenn du dich als Frau akzeptierst, wirst du Wahlbeteiligung haben’“, sagte Rainer und bezog sich auf den Abschluss der Hüftrotation. „Nun, das habe ich offensichtlich nie getan. Das ist ein Generationsunterschied. Oh, wow, diese Frau.“
Nach Judson gründete Rainer die Improvisationsgruppe Grand Union; dann wechselte sie vom Tanz zum Kino. „Ich hatte nicht das Gefühl, dass Tanz die Besonderheiten meiner aktuellen politischen und ökologischen Interessen umfassen könnte“, sagte sie.
Aber Mitte der 1990er Jahre wurde es immer schwieriger, Geld für ihre Filme zu sammeln. „Ich wollte nicht ins Mainstream-Kino gehen“, sagte sie. „Und ich war müde – ich bin ein technologischer Schwachkopf. Ich habe nie mit der Kamera hantiert. Ich hatte die Produktion mit diesem Warten satt. Beim Editieren fühlte ich mich am produktivsten und kreativsten.“
Einige Jahre lang schrieb sie Gedichte, bevor sie auf Anregung von Mikhail Baryshnikov, der sie 1999 bat, mit seiner Gruppe White Oak Dance Project zu arbeiten, zum Tanz zurückfand. „Ich war bereit, zurückzukommen“, sagte sie. „Ich bin wirklich ein Choreograf. Ich habe Experimentalfilme und ausländische Filme schon sehr früh verfolgt, aber ich fühle mich mit dieser Art der Filmproduktion nicht wohl. Ich wusste, dass ich mit der Rückkehr zum Tanzen in meinem Element war.“
Doch passenderweise vermischt Rainer für ihr Abschlussprogramm beide Welten: Neben „Hellzapoppin’“ präsentiert sie ein Kino „After Many a Summer Dies the Swan: Hybrid“ (2002), das eine von ihr choreografierte Tanzperformance kombiniert Weiße Eiche 2000 mit Texten österreichischer Künstler und Denker – Oskar Kokoschka, Adolf Loos, Arnold Schönberg und Ludwig Wittgenstein. Es setzt ihr Thema des Widerstands fort.
Und es gibt noch eine weitere Verbindung zu ihrer Kinokarriere. „Hellzapoppin’“ enthält einen Cameo-Auftritt der Schauspielerin Kathleen Chalfant, die auch in Rainers Kino „MURDER and Murder“ zu sehen war. Ohne zu viel zu verraten, erscheint Chalfant kurz, um Rainer zu sagen, was mit ihrem Tanz nicht stimmt. „Es ist eine Art komische Erleichterung“, sagte Rainer. „Ich sage ihr, sie soll sich bitte hinsetzen und wir reden später darüber.“
Aber während der Tanz mit einer ernsten Note endet – ein Hinweis auf die Klimakrise – wird er auch ein klassisches, ergreifendes Markenzeichen von Rainers Choreografie aufweisen. „Die Tänzer verlassen die Bühne nie, bevor sie sie betreten haben“, sagte sie. „Ich habe dieses Verschwinden eines Darstellers immer gehasst. Keiner geht.“ Der einzige Ausgang, so scheint es, wird ihr gehören.
Die New York Times