Treffen Sie vier Theaterkünstler, die Sie sich diesen Herbst ansehen sollten

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Gregg Mozgala, „Lebenshaltungskosten“

„Ich liebe Körperlichkeit. Ich liebe es, mich selbst zu pushen.“ sagte Gregg Mozgala, der sein Broadway-Debüt als John, ein Doktorand, der mit Zerebralparese lebt, in „Cost of Living“ gibt. Anerkennung… Zachary Maxwell Stertz

Der Schauspieler Gregg Mozgala hat dunkles, aus der Stirn zurückgeworfenes Haar und wachsame Augen mit schweren Lidern. Sein Oberkörper ist muskulös, sein rechter Arm ist mit zwei aufwändigen Tätowierungen geätzt, von denen eine einen Hahn in der Mitte der Krähe zeigt. Er schreibt den Fokus seiner Familie auf die Leichtathletik für die Kraft seiner Leistungen zu.

„Ich liebe Körperlichkeit“, sagte er. „Ich liebe es, mich selbst zu pushen. Ich möchte rennen und springen und kämpfen und klettern und einfach unglaublich körperlich sein.“ Er sagte dies neulich an einem Wochentagmorgen in einem Proberaum in Midtown, sein Körper hüpfte auf dem Stuhl, während er sprach.

Doch die Rolle, die er in Martyna Majoks mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnetem „Cost of Living“, einem Theaterstück über die Komplexität des Deva-Einnehmens, einstudiert, hält davon ab, zu rennen und zu springen. Mozgala spielt John, einen Doktoranden in Princeton, der mit Zerebralparese lebt. Die Regieanweisungen beschreiben seinen ersten Auftritt so: „ John kommt im Rollstuhl herein. Sie ist schön.

Auch Mozgala, der sein Alter nicht angibt, hat Zerebralparese, wenn auch in abgeschwächter Form, die sich meist in einem synkopischen Gang äußert. Das Stück, in dem auch David Zayas, Kara Young und die Paralympianerin Katy Sullivan zu sehen sind, beginnt am 13. September mit den Aufführungen im Samuel J. Friedman Theatre des Manhattan Theatre Club. Es wird Mozgalas Broadway-Debüt sein.

Als Absolvent des kompetitiven Theaterprogramms der Boston University und seit mehr als zwei Jahrzehnten professioneller Schauspieler hat Mozgala einen Großteil seiner Karriere damit verbracht, nur zu versuchen, einen Fuß in die Tür des Proberaums zu bekommen. Er muss um jedes Vorsprechen kämpfen und bucht selten Rollen, die nicht für ihn geschaffen wurden („Diagnosis of a Faun“) oder in Auftrag gegeben wurden („Teenage Dick“) von der von ihm gegründeten Firma The Apothetae, die Behinderte und Nichtbehinderte einstellt -behinderte Schauspieler.

Jolly Abraham mit Mozgala in einer Produktion von „Cost of Living“ aus dem Jahr 2017. Anerkennung… Sara Krulwich/The New York Times

Warum haben sich Teile als so schwer fassbar erwiesen? „Nun, das ist eine ausgezeichnete Frage“, sagte er lächelnd. Er hatte einige Antworten in Form von Ratschlägen, die er von Lehrern und ehemaligen Managern erhielt: dass er nicht für „normale“ Rollen vorsprechen sollte. Dass die Regisseure nicht wussten, was sie mit ihm anfangen sollten. Dass er nicht genug war.

Aber John, eine Rolle, die er ursprünglich aus dem Off-Broadway stammt und die er auch am Williamstown Theatre Şenlik und am Off-Broadway gespielt hat, hat ihm andere Lektionen beigebracht. „Ich kann alles, meine ganze Lebenserfahrung in diese Figur einbringen“, sagte er. „Ich habe das lange verneint, aber dieses Stück ermöglicht es mir, ganz in mich selbst einzutreten.“ Mozgala destillierte die Erfahrung so: „Ich bin genug“, sagte er.

In früheren Produktionen hat er Johns Körperlichkeit betont und mit Majok und dem Regisseur Jo Bonney zusammengearbeitet, um festzulegen, wie John sich bewegen, sprechen und seine Gliedmaßen bewegen sollte. Diesmal denkt er anders über die Rolle nach und auf eine Weise, die möglicherweise noch aufschlussreicher ist als die Nacktduschenszene. (Übrigens macht ihm die Nacktszene sehr viel Spaß: „Meinen Körper im Kontext des Stücks zu zeigen, das war wunderbar aufregend“, sagte er.) Die Betonung liegt jetzt auf Johns Innenleben.

„Es geht nicht darum, wie behindert ich John machen kann, sondern wie menschlich ich John machen kann“, sagte er. Das Stück zwinge ihn, über seine eigene Menschlichkeit nachzudenken und sich selbst als einen Menschen mit Behinderung zu verstehen und zu akzeptieren. „Diese Synergie war eines der größten Geschenke, die ich jemals als Mensch und als arbeitender Schauspieler erhalten habe“, sagte er.

Mozgala entwickelt sich also weiter. Und er glaubt, dass sich auch die Unterhaltungsindustrie weiterentwickelt. „Ich denke, wir kommen an einen Punkt, an dem die Leute anfangen zu erkennen, dass man keine behinderte Figur mehr haben sollte, die nicht von einem behinderten Schauspieler gespielt wird, jemand, der diese gelebte Erfahrung hat“, sagte er.

Er ist glücklich, an der Spitze dieses Wandels zu stehen, übersehbar unter den Lichtern des Broadway. Aber als Schauspieler, der seine ganze Karriere damit verbracht hat, dafür zu kämpfen, gesehen zu werden, ist der Kampf noch nicht aus ihm herausgegangen. Er möchte mehr Rollen spielen, über alle Arten von Medien hinweg, einschließlich Rollen, die nicht explizit als behindert eingestuft sind.

„Das übersteigt meine kühnste Vorstellungskraft“, sagte er über sein Broadway-Debüt, „und ich mache mir Sorgen, dass ich vielleicht nicht groß genug geträumt habe.“ ALEXIS SOLOSKI

Bonnie Milligan, ‚Kimberly Akimbo‘

„Ich bin mit Singen aufgewachsen, sobald ich sprechen konnte“, sagte Bonnie Milligan, die im Musical „Kimberly Akimbo“ auftritt. Anerkennung… Matthäus Murphy

Als sie Studentin an der Ohio State University war, schaute Bonnie Milligan YouTube mit ihren musiktheaterbegeisterten Freunden und sie machten „Clips“, wie sie es ausdrückte. „Ich brauche Audra, lass uns gehen, Audra“, sagte Milligan und erinnerte sich an einige Aufforderungen. „Gib mir etwas Alysha Umphress. Jetzt haben wir Christine Ebersole.“

Heutzutage ist Milligan, jetzt Mitte 30, diejenige, nach der Fans vielleicht suchen möchten. Sie könnten nach einer ihrer großen Nummern aus dem Go-Go-Musical „Head Over Heels“ suchen, in dem sie die glorreich eitle Prinzessin Pamela spielte, oder nach einigen ihrer lärmenden Kabarettduette, insbesondere denen mit ihrem Freund Matt Doyle – Tu dir selbst einen Gefallen und schau dir ihr Cover des Celine Dion-Barbra Streisand-Epos „Tell Him“ an. Es ist sicher, dass YouTube mehr Zugriffe sehen wird, wenn Milligan die Rolle einer fröhlich dreisten Betrügerin namens Debra in der Broadway-Übertragung des Musicals „Kimberly Akimbo“ von David Lindsay-Abaire und Jeanine Tesori wiederholt, das im Atlantic Theater erfolgreich lief letztes Jahr (Previews beginnen am 12. Oktober im Booth Theatre.)

Musik liegt in Milligans Familie: Ihre Eltern lernten sich kennen, als ihr Vater, ein Pastor, anfing, für die Gospelgruppe zu singen, mit der ihre Mutter als Pianistin auftrat. „Ich bin mit Singen aufgewachsen, sobald ich sprechen konnte“, sagte Milligan kürzlich beim Mittagessen in Soho. „Ich war schon immer ein instinktiver Sänger. Ich würde im Radio mitsingen, ich würde zu Celine oder Mariah mitsingen.“

Es dauerte nicht lange, bis sie die Kraft des Humors entdeckte. „Ungefähr in der vierten Klasse fühlte ich mich ein bisschen pummeliger und ich fühlte mich ein bisschen anders, also fing ich an, mich ein bisschen über mich lustig zu machen, weil ich nicht wollte, dass sich jemand über mich lustig machte“, sagte sie. „Ich habe es wirklich gemocht, Leute zum Lachen zu bringen. Es war nicht immer selbstironisch, aber ehrlich gesagt hat es so als Kind angefangen, was so traurig ist.“

Milligan wusste, dass sie talentiert war, doch schlichen sich Zweifel an ihrer Karriere ein. Gegen Ende des College sagte ihr eine Freundin, vielleicht um Milligans Erwartungen niedrig zu halten, dass sie es wegen ihrer Größe nicht als Schauspielerin schaffen würde. „Ich war dieses superselbstbewusste Kind, das sagte: ‚Ich weiß, dass ich anders bin, aber das macht mich zu etwas Besonderem‘“, sagte Milligan, „und es fühlte sich wirklich schwer an, diese Zitat-unzitierte Wahrheit zu hören.“

Glücklicherweise fand sie schließlich wieder zu ihrem selbstbewussten Selbst, teilweise dank der Therapie, und stürzte sich in Vorsprechen. 2018 gab sie ihr Broadway-Debüt als Hauptdarstellerin in „Head Over Heels“, und „Kimberly Akimbo“ wird mehr Theaterbesuchern die Möglichkeit geben, ihr präzises komisches Timing, ihr Charisma und ihre Power Pipes zu erleben.

Milligan, links, und Alli Mauzey in der gefeierten Produktion von „Kimberly Akimbo“ der Atlantic Theatre Company. Anerkennung… Sara Krulwich/The New York Times

Doyle, ein Tony-Award-Gewinner für die kürzliche Wiederbelebung von „Company“, war ein früher Fan. Die beiden hatten sich 2014 beim Off-Off-Broadway-Musical „Jasper in Deadland“ kennengelernt das Telefon. „Ich muss sie in dieser ersten Woche ausgeflippt haben, weil ich so versessen darauf war, ihre Freundin zu sein.“

Ein weiterer aufschlussreicher Song, den Sie auf YouTube ausgraben könnten, ist das Duett von Doyle und Milligan auf „Suddenly, Seymour“, also ist es nicht verwunderlich zu hören, dass „Little Shop of Horrors“ eine ihrer Traumshows ist. „Oft schlagen sie eine Bombe“, sagte Milligan über Audrey, eine Figur, die es schwierig findet, eine missbräuchliche Beziehung zu verlassen. „Du kannst wunderschön sein und denken, dass du nicht genug bist, aber was würde passieren, wenn du ein großes Mädchen hättest, das sagt: ‚Ich verdiene nichts Besseres‘?“

Es ist erfrischend, eine Schauspielerin zu sehen, die so ungeniert und so freudig die Komödie umarmt. Milligans Instagram-Biografie beschreibt sie als „eine Beltresse, die es liebt, Menschen zum Lachen zu bringen“, was darauf hindeutet, dass es ihr um die Verbindung mit den Zuschauern geht. „Es geht nichts über die Freude, ein Publikum in der Hand zu haben und zu wissen, dass wir gleich tanzen“, sagte sie. „Ich führe, und wir werden großartig sein.“ ELISABETH VINCENTELLI

Noah Diaz, „Du wirst krank“

Noah Diaz‘ ​​seltsames und poetisches Stück „You Will Get Sick“ kommt zum Roundabout. Anerkennung… Monica Jorge für die New York Times

Unter den Bäumen im Bryant Park in Midtown war der Dramatiker Noah Diaz an einem herrlich schönen Augustmorgen von Vögeln umgeben. Das war nicht ideal. Mit seinen 29 Jahren ist er ein leutseliger Gesellschafter, der schnell lacht, aber er hält lieber Abstand zu den Vögeln.

»Sie machen mir Angst«, sagte er, und Sekunden später flog ein winziges gefiedertes Wesen – vielleicht ein Spatz – so nahe an seinen Kopf heran, dass er zusammenzuckte. Jeder hätte.

Könnten die Vogelhorden von seinem neuen Off-Broadway-Stück gehört haben? In Diaz‘ ​​seltsamem und poetischem „You Will Get Sick“, dessen Premiere am 14. Oktober in der Roundabout Theatre Company beginnen soll, sind riesige Vögel Agenten des Untergangs, die ständig drohen, auf Menschen herabzustürzen und sie wegzureißen.

Diaz beschreibt das Stück als „eine Komödie mit Gewicht“, wie im Wesentlichen, und es wurde mit den passenden Stars besetzt: Daniel K. Isaac als Mann mit einer Krankheit, von der er sich nicht überwinden kann, seiner Schwester davon zu erzählen, und Linda Lavin als der Fremde, den er anheuert, um die Nachricht zu überbringen.

Seine Weltpremiere wird ein verspätetes New Yorker Debüt für Diaz, der vor zwei Jahren mit einem anderen Stück und einer anderen Kompanie seinen Bogen machen sollte, nur um zu sehen, wie diese Produktion durch die Pandemie verdampft. Vor kurzem scheiterte auch eine andere geplante Produktion in Los Angeles. Der Roundabout-Lauf hat also für ihn eine enorme Bedeutung.

„Auf gute und schlechte Weise bedeutet es alles“, sagte er. „Wahrscheinlich ungesund warte ich immer wieder darauf, dass Schuhe fallen.“

„You Will Get Sick“ wurde 2018 geschrieben und sollte als Diaz‘ Abschlussarbeit im Frühjahr 2020 an der Yale School of Drama (heute David Geffen School of Drama at Yale) aufgeführt werden. Er erinnert sich an eine seiner Lehrerinnen – die Dramatikerin Sarah Ruhl, die er seine Königin, seinen Nordstern und den Grund, warum er nach Yale gehen wollte – nannte, die ihm sagte, er solle den Titel ändern.

„Habe ich das wirklich?“ sagte sie am Telefon und lachte. „Gut für Noah. Es ist wichtig, manchmal nicht auf deinen Lehrer zu hören. Ich glaube, ich habe mir die Situation an den Kinokassen vorgestellt, in der Leute Angst haben und abergläubisch sind, Tickets für ‚You Will Get Sick‘ zu bestellen und dann ein Ticket mit der Aufschrift ‚You Will Get Sick‘ zu erhalten.“

Als die Welt anfing, an Covid-19 zu erkranken, wurde der persönliche Unterricht abgesagt und Diaz verließ New Haven zum Haus seiner Eltern in Council Bluffs, Iowa, direkt gegenüber dem Missouri River von Omaha, Neb. Diese Geographie ist ein wichtiges Detail für ein Dramatiker, dessen Biografie mit einer Erwähnung seiner Wurzeln an der Staatsgrenze beginnt.

Als Student an der University of Nebraska Omaha hatte Diaz studiert, um Gebärdensprachdolmetscher zu werden – eine Leidenschaft, in die er sich begab, indem er die amerikanische Gebärdensprache wählte, um eine Fremdsprachenanforderung zu erfüllen.

Obwohl er sich ein Semester frei nahm, um die Katze in der Schlange in einem örtlichen Kindertheater zu spielen („gut bezahlt“, erinnerte er sich) und anfing, Theaterstücke nur für sich selbst zu schreiben, dauerte es nicht, bis er einen Auftritt als Dolmetscher beim Frauenmarsch verpatzt hatte Omaha im Jahr 2017, dass er erkannte, dass seine Zukunft woanders lag.

„Irgendetwas rastete in meinem Gehirn aus“, sagte er, „und an diesem Wochenende bewarb ich mich an Graduiertenschulen für das Schreiben von Theaterstücken.“

Diaz‘ ​​Theaterstücke – darunter „Richard & Jane & Dick & Sally“, ein erwachsenes Riff auf den „Dick and Jane“-Fibeln, das teilweise in ASL aufgeführt wird, und „The Swindlers“, eine von Diaz‘ Großvater inspirierte Betrügergeschichte – sind es durchdrungen von Sehnsucht nach Heimat und Familie, sowie dem Drang, sie in die weite Welt zu verlassen.

„Ich vermisse, woher ich komme“, sagte Diaz. „Aber ich würde auch sagen, dass ich das größtenteils nicht tue.“

Sein linkes Bein ist mit einer Zeichnung seines Elternhauses eingefärbt, eines von 32 Tattoos, die Diaz nach eigenen Angaben zur Verarbeitung der Pandemie erworben hat. Heutzutage ist Bedford-Stuyvesant, Brooklyn, zu Hause, nahe bei Freunden und nahe genug bei seinen Eltern im Ruhestand, die kürzlich von Iowa nach New Haven gezogen sind.

An diesem Morgen im Bryant Park kam Diaz gerade aus Los Angeles zurück, wo er für die zweite Staffel der Hulu-Serie „Nine Perfect Strangers“ geschrieben hat. Später in dieser Woche würde er einem Netzwerk erfolgreich eine halbstündige Komödie in Gebärdensprache vorstellen, die er mit 20th Television entwickelt hat. Indem er sich der Filmarbeit zuwandte, hat er eine schwierige Zeit für Theater OK finanziell überstanden und sich kreativ erfüllt.

Trotzdem kam es ihm verrückt vor, dass er es vier Jahre nach dem Schreiben von „You Will Get Sick“ noch nie auf den Beinen gesehen hatte.

„Theater, Baby“, sagte er. „Mann. Es ist hart. Lang, lang.“

Dann schlenderte er an den Vögeln vorbei, um sein Auto abzuholen, und machte sich für eine kurze Strecke auf den Weg – bis nach New Haven, um seine Familie zu sehen. LAURA COLLINS-HUGHES

Solea Pfeiffer, „fast berühmt“

Solea Pfeiffer wird ihr Broadway-Debüt als Penny Lane in „Almost Famous“ geben. Anerkennung… Stephanie Diana

Für eine junge Schauspielerin war es der schlimmste Schlag: Nachdem Solea Pfeiffer zu dem neuen Musical „Fast mitmachen“ eingeladen und Zeit investiert worden war, teilte ihr das Kreativteam mit, dass sie ihre Penny Lane woanders suchen würden.

Es war eine Pflaumenrolle in einer hochkarätigen Show, einer Adaption von Cameron Crowes geliebtem halbautobiografischem Film aus dem Jahr 2000 über einen 15-jährigen aufstrebenden Musikjournalisten in der Rockszene der 70er Jahre. Kate Hudson erhielt eine Oscar-Nominierung für die Rolle, ein wehmütiges Groupie, das behauptet, dass sie für die Musik da ist, nicht für die Männer, bis sie ihre eigenen Regeln bricht.

„Ich denke, es ist ein wichtiger Teil meiner Geschichte, dass ich dieses erste Table-Read gemacht habe, noch ein paar Wochen der Entwicklung, und sie mich tatsächlich aus dem Projekt entlassen haben“, sagte Pfeiffer, jetzt 27, kürzlich.

Sie verbrachte zwei Stunden damit, „tragisch“ zu sein, sagte sie, setzte sich dann hin und schrieb der Produktion eine mutige E-Mail, an die sie sich folgendermaßen erinnerte: „Ich denke, Sie treffen die falsche Entscheidung, und ich werde tun, was ich tun muss um dich wissen zu lassen, dass das wirklich meins ist.“

Ein Jahr später „kam es durch kosmische Kräfte zurück“. So war es Pfeiffer, die die Rolle bei der Weltpremiere 2019 im Old Globe Theatre in San Diego spielte und ihr Broadway-Debüt in Pennys pelzbesetztem Mantel und Plateauschuhen geben wird. Die von Crowe und dem Komponisten Tom Kitt geschriebene Show beginnt am 3. Oktober mit der Vorpremiere im Bernard B. Jacobs Theatre und wird einen Monat später eröffnet.

Der Regisseur des Musicals, Jeremy Herrin, wandte sich an einen Weisen aus den 1970er Jahren, um zu erklären, was passiert war: „Wie Joni Mitchell sagt: ‚Du weißt nicht, was du hast, bis es weg ist.’“

Dass Pfeiffer die Stimme und den Look hatte, war keine Frage. „Sie war etwas schüchtern und gab sich in diesen frühen Workshops nicht die Erlaubnis, Platz im Raum einzunehmen“, sagte Herrin.

„Das Besondere an Penny ist, dass sie rätselhaft ist, also hat sie verborgene Tiefen“, fügte er hinzu. „Aber Sie wollen nicht, dass eine Schauspielerin diese Tiefen spielt, nur um sie zu haben.“

Pfeiffer, rechts, als Penny Lane mit Casey Likes als junge Journalistin in der Old-Globe-Produktion von „Almost Famous“. Anerkennung… Neal Preston

Es ist schwer, den Solea (ausgesprochen So-LAY-a) Pfeiffer, dem man jetzt begegnet, wenn man selbstbewusst in einem geknoteten Crop-Top und extravaganten zerrissenen Jeans im Büro der New York Times ankommt, mit der schüchternen Figur, die Herrin beschreibt. Aber sie und er sagen beide, dass sie glauben, dass sie sich während der Pandemie weiterentwickelt hat und den Workshops eine energischere Nachdenklichkeit verleiht, als sich die Besetzung dieses Jahr wieder traf.

Die Abschaltung mag einen geplanten schnellen Wechsel zum Broadway nach dem Lauf in San Diego versenkt haben, aber es war nur eine Unebenheit auf Pfeiffers professionellem Gleitpfad. Direkt nach ihrem Abschluss an der University of Michigan im Jahr 2016 wurde sie von Gustavo Dudamel und den Los Angeles Philharmonic angeworben, um Maria in einer Konzertversion von „West Side Story“ im Hollywood Bowl zu spielen. Dann: Eliza in „Hamilton“ für ein Jahr in Kalifornien. Kurz nachdem „Almost Famous“ in San Diego gedreht wurde, spielte sie die Titelrolle von „Evita“ im New Yorker City Center. („Denken Sie an den Namen“, schrieb Kyle Smith in The National Review. „Sie beherrscht die Bühne als Schauspielerin und beherrscht den Gesang mit einer Kombination aus Donner und Seide, die Tränen in die Augen treibt.“)

Während des Shutdowns schrieb und spielte Pfeiffer eine Soloshow für Audible mit dem Titel „You Are Here“, eine Erkundung ihrer gemischtrassigen Identität, die erstklassige Versionen der Theatersongs „Burn“ und „Rainbow High“ sowie Billie umfasst Eilishs „Meine Zukunft“.

Sie nennt sich einprägsam „ein Nirgendwo-Mädchen von überall“ und zeichnet in 90 Minuten eine persönliche Geschichte nach, die sie von Simbabwe, wo sie geboren wurde, bis nach Mosambik führte, wo sie mit portugiesischer Sprache aufwuchs. Nach Jahren der Feldforschung bekamen die Eltern jeder Anthropologin Lehraufträge in Cleveland und dann an der University of Washington in Seattle, wo sie die High School besuchte und anfing, in Shows aufzutreten.

Das Kind einer schwarzen Mutter und eines weißen Vaters zu sein, isolierte sie von ihrer Großfamilie und ihren Klassenkameraden. Aber es erlaubte ihr auch, in Teile zu gleiten – wie Evita und Maria – von denen sie sagt, dass sie jetzt nicht für sie bestimmt wären. „Kolorismus ist sehr real“, sagte sie. „Welche Möglichkeiten wurden mir geboten, weil ich diese schmackhafte Version einer farbigen Frau bin?“

Pfeiffers erste Filmrolle ist in „A Jazzman’s Blues“, einem historischen Stück, das von Tyler Perry geschrieben und inszeniert wurde und sich mit der Komplexität des Passierens befasst. Es wird diesen Monat seine Galapremiere beim Toronto International Film Festival haben, bevor es auf Netflix gestreamt wird.

Pfeiffer, die in Harlem lebt und mittlerweile in der Theaterszene etabliert ist, sagte, sie habe herausgefunden, dass „mein Schwarzsein und mein Weißsein nicht getrennt werden müssen. Ich kann tief sein, wer ich bin.“

Und nachdem er jahrelang von Pennie Trumbull gehört hatte, der Frau, von der Crowe sagt, dass sie Penny Lane inspirierte, verbrachte Pfeiffer kürzlich Zeit mit ihr auf ihrer Ranch außerhalb von Portland, Oregon, wo sie über Musik, Geschlecht und Macht und den Unterschied zwischen einem Kleiderbügel sprachen -on und eine Muse.

„Sie ist eine dieser Menschen, die einfach ja sagen“, berichtete Pfeiffer. „Es ist eine Denkweise, die ich in diese Erfahrung einbringe – fahren Sie mit.“ SCOTT HELLER

Die New York Times

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