Rückblick: Die unausweichlichen Schwingungen von „Violett“

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Die Lichter gehen auf fünf Tänzern an, die in gleichmäßigen Abständen im hinteren Teil der Bühne stehen und nach außen blicken. Es ist die Konfiguration einer Polizeiaufstellung oder der Vorspielszene in „A Chorus Line“. Aber das ist „Violet“ von der in Amerika geborenen, in Europa lebenden Choreografin Meg Stuart, und lange bewegt sich niemand.

Die Hände der einen Tänzerin beginnen zu pulsieren, der Oberkörper der anderen zu rotieren. Arme treten in Aktion, aber keine Füße, die gepflanzt bleiben. Jeder Tänzer bewegt sich mit faszinierender, individueller Spezifität: dieser zittert, dieser zuckt gewunden oder dreht sich wie der Kopf einer Sprinkleranlage. Doch all diese Oszillationen scheinen die Antwort auf ein gemeinsames Signal zu sein.

Im Skirball Center for the Performing Arts der New York University, wo „Violet“ an diesem Wochenende seine US-Premiere feierte, können wir die Quelle sehen, hören und sogar fühlen: den Musiker Brendan Dougherty auf der Bühne mit Laptop, E-Gitarre und Schlagzeug. Beginnend mit dem Geräusch der Brandung schichtet er methodisch mehr zyklische Geräusche in Wellen, fügt Alarme, Verzerrungen, zerhackte Vibrationen wie die von Hubschrauberrotoren hinzu und entfernt sie, niedrige Frequenzen, die in Ihrer Brust mitschwingen. Er ist der Dirigent der Energie.

Während sich diese Energie langsam aufbaut und die Lautstärke steigt, fragen Sie sich, wie die Tänzer darauf reagieren werden. Werden sich diese Füße jemals lösen? tun sie. Die Tänzer stolpern, drehen sich, fallen, rollen. Sie sinken auf alle Viere oder liegen auf dem Bauch, immer noch zitternd. Werden sie jemals interagieren? Art von. Synchronität erscheint in Blitzen, Kollektivität in Drift.

Canabarro und Reyner. Anerkennung… Andrea Mohin/The New York Times

Wohin kann all diese steigende Aktion führen? Es kann aufhören. Als Dougherty den Lärm beendet, erklingt die Stille und die Tänzer kehren zur Stille zurück, wieder in einer Reihe, jetzt am Rand der Bühne. Aber der Strom fließt immer noch – wir können das Rauschen hören – und das Zittern beginnt erneut.

Ungefähr an diesem Punkt fühlt sich die 75-minütige Arbeit überdehnt und schlaff an. 2011 entstanden, fühlt es sich auch wie ein Signal an, das etwas zu lange gebraucht hat, um an andere Arbeiten aus dieser Zeit zu erinnern und nicht mehr frisch oder in Mode zu sein. Obwohl es weniger theatralisch ist als viele der anderen Stücke, die Stuart mit ihrer Firma Damaged Goods gemacht hat, ist es ähnlich vom Scheitern betroffen – hier mit falschen Andeutungen, falschen Enden. Spielt es eine Rolle, wann sich die Tänzer umdrehen und sich selbst in der spiegelnden Rückwand sehen oder wann sie sich schließlich in flüchtiger, unpersönlicher Berührung berühren? Nicht wirklich.

Es ist eine Vision, die ich enttäuschend fand. Der Hardrock-Strudel, den die Musik zu versprechen scheint, kommt nie ganz an. In der Sprache von „Spinal Tap“ gehen die Tänzer, obwohl engagiert, nie bis 11; Es ist normales Violett, nicht Ultra. Stattdessen kommt der große Moment, wenn zwei von ihnen sich übereinander rollen und sich langsam wie ein Tumbleweed in den anderen sammeln. Sie machen mit ihren Körpern so etwas wie Dougherty mit Ton, aber es ist viel vorhersehbarer.

Und das ist nicht das Ende. Wieder erheben sie sich und setzen ihre Füße auf und registrieren die Vibrationen. Die Lichter erlöschen langsam, wie in Resignation.

„Violett“

Aufgeführt am 23. und 24. September im Skirball Center for the Performing Arts der New York University.

Die New York Times

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