Rückblick: Beim City Ballet die Rituale und Codes der Form biegen

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„Ich würde lieber bei etwas Interessantem scheitern, als etwas Langweiliges zu tun.“

Dieses Zitat aus einem Interview mit Pam Tanowitz im Dance Magazine letztes Jahr kam mir während der Premiere am Freitag von „Law of Mosaics“, ihrem dritten Werk für das New York City Ballet, in den Sinn. Dieses seltsame, Konventionen brechende Ballett, das auf eine gleichnamige Streicherpartitur des zeitgenössischen amerikanischen Komponisten Ted Hearne gesetzt ist, ist eine Menge Dinge; langweilig gehört nicht dazu.

Vor nicht allzu langer Zeit war es eine große Sache, auch nur ein Werk von Tanowitz auf der Bühne des David H. Koch Theaters zu sehen. Ihr erster Auftrag für das City Ballet im Jahr 2019 kam nach mehreren Ablehnungen des hauseigenen Choreografieinstituts der Kompanie. Und mit ihren Wurzeln in der Innenstadt und ihrem festen Interesse an der Dekonstruktion des Klassischen bleibt sie eher eine Außenseiterin. Aber City Ballet lässt das Publikum sie kennenlernen. Das Freitagsprogramm zeigte uns unter der Überschrift „Visionary Voices“ zwei Seiten von Tanowitz und beinhaltete auch die Firmenpremiere ihres ergreifenden „Gustave le Grey No – neben den jüngsten Ergänzungen des Repertoires von Jamar Roberts und Justin Peck.

„Law of Mosaics“ beginnt schrill, mit drei Tänzern, die vorübergehend still und silhouettiert sind und durch die nachdrückliche erste Note der Partitur in geschäftige Bewegung versetzt werden. Der Eröffnungsabschnitt der Musik (hier dirigiert von Hearne) trägt den Titel „Auszüge aus der Mitte von etwas“, und so fühlt sich das Tanzen an: wie ein Teil einer Geschichte, die sich vor unserer Ankunft entfaltet hat, präsentiert ohne Einleitung. Wir müssen nur aufholen.

Das Vokabular wird sofort als Tanowitzianisch registriert, voller eigenwilliger Beinarbeit und Gestik: kleine Trabs auf der Stelle mit schwingenden Armen; eine Hand, die den Kopf umkreist, als ob sie ein Lasso schwingen würde; Fersenklick-Sprünge mit gebeugten Füßen. Die Energie tendiert zum Abgehackten und Fragmentierten, wobei einzelne ausholende Bewegungen in ihre Einzelteile zerlegt werden könnten.

Miriam Miller und Co. in Pam Tanowitz‘ „Law of Mosaics“, vertont von Ted Hearne. Erin Baiano Tänzer eintreffen – darunter die majestätische Miriam Miller, die eine Art Dirigentin oder Lehrerin übernimmt –, brodeln seltsame Spannungen. Die attraktiven Kostüme für die 10-köpfige Besetzung, ostereierfarbene Einteiler von Reid Bartelme und Harriet Jung, suggerieren Frühling, Freude; die Musik ist verworrener, beunruhigender, ihre Unheimlichkeit wird durch Brandon Stirling Bakers exzellente Beleuchtung verstärkt.

Manchmal wirkt die Choreografie wie ein Flickenteppich – ja, ein Mosaik – aus Anspielungen auf Ballettrituale und -codes. Zu Beginn versammelt sich eine Gruppe beiläufig am äußersten Rand der Bühne (Tanowitz verwendet gerne die Fransen), als würde sie sich auf Klassenübungen über den Boden vorbereiten. Ein Solo für Miller, in der Stille, schwebt zwischen Übung und Aufführung. In einem zentralen Duett stellen Sara Mearns und Russell Janzen etwas vor, das wie verschmierte, weichere Versionen von Story-Ballett-Pantomime aussieht. (Hier verwendet Tanowitz Material aus ihrem zweiten City Ballet-Werk, einem kurzen Kinofilm mit Janzen in der Hauptrolle.)

Ein Großteil der Bewegung spielt mit dieser entspannten Qualität und mit Bildern der Müdigkeit. Mearns steht hinter Janzen, während er fürstlich in die Ferne zeigt, und legt ihren Kopf auf seinen Arm, als würde sie mitten im Pas de deux aufgeben. In einem Abschnitt für mehrere Paare plumpsen die Frauen auf den Boden, schwer und hölzern. Auf der anderen Seite ertönen eher traditionelle Darbietungen von Virtuosität wie Alarm, wenn Preston Chamblee durch eine Reihe von Fouetté-Drehungen peitscht oder wenn Ruby Lister, ein auffälliges neues Corps-Mitglied, die Bühne allein mit wachen, springenden Sprüngen beherrscht.

Aus einigen Blickwinkeln wirkt „Law of Mosaics“ willkürlich, strukturell verwirrt. Von anderen liest sich seine stückweise Natur als bewusster, als gezielte Herausforderung der erwarteten Ordnung, nicht nur für das Publikum, sondern auch für Tanowitz und die Tänzer. Der Kern des Tanzes scheint seltsamerweise sein Ende zu sein: ein krasses, schattiges Solo für eine barfüßige Sara Mearns. In letzter Zeit hat sich Mearns in ihren Kollaborationen außerhalb des City Ballet in die Unvollkommenheit gelehnt (so sagt sie zumindest). Während sie balanciert und bourrée, ihre Glieder wackeln und gegen die heftigen Stöße der Musik vorspringen, kommt eine echte Verwundbarkeit an die Oberfläche. Rückblickend scheint sie die Hauptfigur in diesem Mysterium zu sein.

Stephen Gosling am Klavier, mit, von links, Anthony Santos, Alexandra Hutchinson, Naomi Corti und Daniel Applebaum in Tanowitz‘ „Gustave Le Grey No . eins.“ Kredit… Erin Baiano
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0) (9 ) Das kürzere „Gustave le Grey No. 1“ zu einer üppigen und meditativen Klavierpartitur von Caroline Shaw ist harmonischer, weniger angespannt.Vier Tänzer – Anthony Santos und Alexandra Hutchinson vom Dance Theatre of Harlem, neben Daniel Applebaum vom City Ballet Naomi Corti — teilt sich die Bühne mit einem Flügel und seinem Spieler Stephen Gosling. Die Arbeit hat einen egalitären Charakter: Alle Tänzer sind (fast) die ganze Zeit auf der Bühne und strömen zusammen in wunderschön wogenden roten Kostümen (wieder von Bartelme and Jung). An einem Punkt schieben sie das Klavier über die Bühne; Gosling schlendert mit ihnen, seine Finger verlassen die Tasten nicht. Mit einer geerdeten Einfachheit und einem Sinn für Spiel löst sich das Stück als fast ein Spiegelbild dessen auf, wo es begann.

Die anderen Ballette auf dem Programm – Roberts‘ „Emanon – In Two Movemen ts“ und Pecks „Partita“, die beide im vergangenen Winter uraufgeführt wurden, waren größer und kühner. („Emanon“, zu einer Jazzpartitur von Wayne Shorter, profitierte stark von der Hinzufügung eines Live-Orchesters.) Im Vergleich dazu mag Tanowitz‘ Werk schwerer verständlich erscheinen. Aber es strotzt auch unverkennbar vor der Aufregung einer Künstlerin, die sich immer wieder in neue Richtungen drängt.

New York City Ballet, „Visionary Voices“

Das Programm läuft bis zum 1. Mai im David H. Koch Theater, Lincoln Center; www.nycballet.com.

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