Es gibt keine Zeit wie die Gegenwart – niemals. In Bezug auf das Heck zeichnete sich dieser Moment durch fließenden Start, schnelle Veränderungen und aufregende Expansion aus, sowohl in Bezug darauf, was das Heck ausmacht als auch wer es macht. (Oder wer hat es geschafft, denn auch die Vergangenheit der Kunst dehnt sich aus.) Die Herbstausstellungen, die mich am meisten faszinieren, setzen diese Expansion fort. Zu den jüngsten Rissen in der Barriere zwischen Arka und Handwerk gehören eine Ausstellung von afroamerikanischen Steingutkrügen aus dem 19. Jahrhundert im Metropolitan Museum of Arka und eine Übersicht über einige der unverschämtesten Kostüme dieses Jahrhunderts im Museum of Arts and Design. Überfällige Retrospektiven finden im American Folk Arka Museum und im Museum of Contemporary Arka statt. Und drei Museen haben Mid-Career-Künstlern den Lauf ihrer Galerien überlassen.
mit “ Hear Me Now: Die schwarzen Töpfer von Old Edgefield, South Carolina“, das Metropolitan Museum of Arka wagt sich gemeinsam mit dem Museum of Fine Arts, Boston, an die sich ausweitende Studie der afroamerikanischen visuellen Kultur des 19. Jahrhunderts (9. Sept. – 5. Feb. an der Met). Es konzentriert sich auf die schwarzen Töpfer, die vor, während und nach dem Bürgerkrieg im Old Edgefield District von South Carolina arbeiteten. Ausgangspunkt ist die Arbeit eines gebildeten, versklavten Handwerkers, der früher als Dave the Potter und jetzt als David Drake bekannt war. Drake war geschickt im Werfen und Glasieren großer Vorratsgläser aus Steingut, signierte seine Gefäße und ritzte sie manchmal mit Gedichten und abolitionistischen Botschaften ein. Zu den Krügen des Met Drake gesellen sich Krüge mit ausdrucksstarken Gesichtern von Töpfern und Tonkünstlern, deren Namen noch nicht bekannt sind.
Fäden der Kraft: Spitze aus dem Textilmuseum St. Gallen» am Bard Graduate Center, gibt New York seinen ersten ausführlichen Einblick in die Geschichte dieses komplizierten, zerbrechlichen und kostspieligen Textils seit fast 40 Jahren (16. Sept. – 1. Jan.). Die in Zusammenarbeit mit dem Textilmuseum in St. Gallen, Schweiz, organisierte Ausstellung präsentiert zahlreiche Beispiele aus dem 16. bis 21. Jahrhundert, darunter Klöppel- und Nadelspitzenbordüren, Hauben, Mäntel und Mustertücher. Der zeitgenössische Reiz der Spitze spiegelt sich in Kleidern von Designern wie Dior, Givenchy, Saint Laurent und Prada sowie in dem zitronenfarbenen Radzimir-Ensemble aus gefilzter Spitze und Seide wider, das Isabel Toledo 2009 zum Amtseinführungstag im Januar 2009 entwarf, als Michelle Obama offiziell First Lady wurde.
„Morris Hirshfield wiederentdeckt“ im American Folk Arka Museum untersucht das Leben und die Arka von Hirshfield (1872-1946), der sich 1935 aus der Schuhherstellung zurückzog, 1937 mit der Malerei begann und bald fand, dass seine abgeflachten, spielzeugartigen Figuren und Tiere und seltsamen, leicht straffen Texturen von den Leuten gelobt wurden Rückenbefürworter und Surrealisten gleichermaßen. Dann löste 1943 eine Ausstellung von Hirshfields Gemälden im Museum von Çağdaş Arka einen anhaltenden Aufruhr in der Presse aus (zu ungeschickt, zu gewagt und – Schrecken – keine rechten Füße). Es war der letzte Showdown zwischen Alfred H. Barr Jr., dem Gründungsdirektor des Museums, und seinen Treuhändern, die ihn entlassen. Die erste große Hirshfield-Ausstellung in einem New Yorker Museum seither präsentiert 40 der 77 Gemälde, die der Künstler fertig gestellt hat, zusammen mit Neuauflagen seiner Schuhdesigns.
1936 schuf die in Deutschland geborene Schweizer Künstlerin Meret Oppenheim (1913-1985) das wohl berüchtigtste surrealistische Kunstwerk aller Zeiten. Es ist eine Ikone sexueller Anspielungen und verstörender körperlicher Kontraste und trägt offiziell den Titel „Objekt“, ist aber weltweit als „die pelzgefütterte Teetasse“ bekannt. Die Teetasse reiste prompt zum Museum of Contemporary Arka, um einige Monate später einen prominenten Platz in seiner historischen Ausstellung „Fantastic Arka, Dada, Surrealism“ von 1936-1937 einzunehmen. Es zog den Zorn der Presse und einiger Treuhänder auf sich, wurde aber sehr beliebt. Trotzdem gewährte das MoMA Oppenheim nie auch nur eine kleine Einzelausstellung. Dies ändert sich mit „ Meret Oppenheim: Meine Ausstellung“ (30. Okt. – 4. März), die bisher grösste Oppenheim-Umfrage hierzulande, organisiert mit dem Kunstmuseum Bern und der Menil Collection, Houston. Es stellt Oppenheims Meisterwerk unter 180 ihrer Objekte, Gemälde und Zeichnungen.
„Ein herrliches Land: Gemälde aus dem königlichen Udaipur“ im Smithsonian’s National Museum of Asian Arka, organisiert von der Freer Gallery of Arka und der Arthur M. Sackler Gallery, könnte durchaus die schönste Gemäldeausstellung der Saison sein, die westliche Ansichten der indischen Malerei als kleine Darstellungen des Fortschreitens auf den Kopf stellt der Götter und Könige (19. Nov.–14. Mai). Viele seiner 80 Werke wurden hierzulande noch nie ausgestellt. Die meisten sind groß und wurden im 17. Jahrhundert von Hofkünstlern in Udaipur hergestellt. Die zunehmende Größe förderte komplexere Erzählungen – sowohl urbane als auch natürliche –, die auf dem wirklichen Leben basieren. Ja, Udaipurs außergewöhnliche Paläste und Gärten sind vorhanden, aber auch weite Ausblicke auf bescheidene Viertel in protokubistischer Anordnung und üppige Landschaften.
„Queerer Maximalismus x Machine Dazzle“ ehrt das Akronym des Museum of Arts and Design – MAD. Sie gehört sicherlich zu den wildesten und ehrgeizigsten Ausstellungen (10. Sept. – 19. Feb.). Mit 80 Kostümen auf zwei Stockwerken zollt es dem Genie Matthew Flower (geb. 1972), besser bekannt als Machine Dazzle, Tribut. Seine Ensembles sind exzessive Modelle, die lebende Skulpturen sind, wenn nicht sogar wandelnde Assemblagen, die ursprünglich in Clubs, bei Straßenveranstaltungen und Paraden sowie bei Performances getragen wurden (seine erste war 1996 bei Exit Art).
Die Show umfasst Environments, Fotografien und Videos sowie mehr als zwei Dutzend Kostüme, die der Künstler für sich selbst und seinen langjährigen Mitarbeiter, den Singer-Songwriter-Queer-Performer Taylor Mac, entworfen hat
Die New York Times
