LENOX, Mass. – Michael Tilson Thomas hatte gerade den ersten Satz von Coplands Sinfonie Nr. 3 am Samstagabend hier in Tanglewood zu einem strahlenden Ende gebracht, als im hinteren Teil des Schuppens Applaus losbrach.
Und warum nicht? Coplands Partitur ist eines der Werke, die am meisten mit der Boston Symphony in Verbindung gebracht werden, und er schrieb Teile davon genau aus diesem Grund. Es war Musik, hat Thomas vorgeschlagen, „die die Welt als den Sound Amerikas akzeptieren würde“.
Der Applaus ging weiter, bis es sich anhörte, als ob nur noch ein einziger Bewunderer nachdrücklich klatschte. Thomas drehte sich um, lächelte und scherzte: „Ich stimme zu.“
Er hat immer zugestimmt, und dieser große amerikanische Einzelgänger wird es bis zum Ende tun. Der 77-jährige Dirigent wurde letztes Jahr operiert, um das Glioblastom, einen tödlich aggressiven Hirntumor, zu behandeln, und im März gab er bekannt, dass er seine Aktivitäten dauerhaft reduzieren werde. „Ich habe vor, noch ein bisschen zu bleiben“, sagte er dann; Trotz aller Widrigkeiten hat er.
Man hätte Thomas also Nachdenklichkeit verzeihen können, wenn nicht sogar mehr, das Boston Symphony Orchestra in Konzerten am Samstag und Sonntag zu leiten, Copland in einem und Ives in dem anderen. Trotz all seiner Macht und Ideen als Musikdirektor des San Francisco Symphony, einer Amtszeit, die von 1995 bis 2020 dauerte und seine Karriere definierte, war es das Boston Symphony, mit dem er seinen Weg ging, und Tanglewood, wo dieser Teil war sein Leben begann.
Thomas kam als Tanglewood-Stipendiat hervor, kam 1968 zum ersten Mal hierher und gewann ein Jahr später den Koussevitzky-Preis für einen herausragenden Studentendirigenten. Er wurde abwechselnd zum Assistenten, zum Associate und zum ersten Gastdirigenten des Boston Symphony ernannt – letzteren Titel teilte er mit Colin Davis – und bis zu seinem Ausscheiden im Jahr 1974 zeichnete er sich durch Programme aus, die das Neue in den Kontext des Alten stellten. sowie für Aufnahmen, die immer noch frisch, üppig und scharf klingen, darunter eine glorreiche Piston Second und ein scharfes „Rite of Spring“. Vier Instrumentalisten, die damals mit Thomas spielten – die Bassisten Lawrence Wolfe und Joseph Hearne, die Geigerin Ikuko Mizuno und der Bratschist Michael Zaretsky – spielten auch letztes Wochenende mit ihm.
Aber in einem kürzlichen Interview mit der New York Times sagte Thomas, dass er sich angesichts seiner Umstände „ruhig und resigniert“ fühle, und obwohl das Tanglewood-Gelände für ihn mit einer besonderen Reaktion zu blühen schien, gab es wenig Sinn für einen Abschied von diesen Auftritten , kaum das Gefühl, dass es eine große Abschiedsbotschaft gab, selbst wenn einige im Publikum aufstanden, um ihn zu begrüßen, bevor er eine Note dirigiert hatte.
Da war nur Michael Tilson Thomas, der Michael-Tilson-Thomas-Sachen machte.
Und welche Dinge. Thomas ist auf dem Podium jetzt verständlicherweise nicht mehr so aufbrausend, aber er ist alles andere als ausgerastet, und seine alte Theatralik verbeugt sich im Stehen während der Konzerte noch ab und zu. Seine rechte Hand dominiert und hält einen gleichmäßigen, wenn auch aufschlussreichen Takt, und sein Interesse an der sorgfältigen Gestaltung von Details ist immer noch da, ebenso wie seine Genauigkeit in der Gestik. Klarheit scheint sein Ziel zu sein, und er verbrachte viel Zeit damit, sich in jedem der vier Werke, die er dirigierte, mit Balancen zu beschäftigen: hier oben eine Hand halten, dort mit den Fingern blinzeln, Erfahrung in die Routine einstreuen.
Seit er in den 1960er Jahren als Dirigent der Montagabendkonzerte die Avantgarde erkundete, betrachtete Thomas den Konzertsaal als einen Ort der Untersuchung und des Denkens, der Verbindungen und Kontraste, und The Shed war bei diesen Gelegenheiten nicht anders. Er hat noch was zu sagen.
Das Konzert am Samstag hätte politisch werden können, wenn Thomas es gewollt hätte, aber er äußerte sich nicht explizit. Das Programm stellte Coplands Symphonie, die mit typisch herzlichem Engagement dargeboten wurde, ins Gespräch mit „Dubinushka“, einer munteren, aber banalen kleinen Hommage, die Rimski-Korsakow auf der Grundlage eines Arbeiterliedes den russischen Revolutionären von 1905 darbrachte, und Rachmaninoffs Klavierkonzert nein. 3, die der Komponist vor einer Tournee im Jahr 1909 speziell für das amerikanische Publikum schrieb.
Alexander Malofeev, 20, war der Solist, was die Aufführung verzögerte, um eine Zusammenarbeit zwischen ihm und Thomas zu kompensieren, die im März abgebrochen worden war, als das Montreal Symphony Orchestra erklärte, es sei „unangemessen“, für den in Moskau geborenen Pianisten aufzutreten . Völlig unschuldig hatte Malofeev die russische Invasion in der Ukraine Tage zuvor verurteilt und sie als „schreckliche und blutige Entscheidung“ bezeichnet, nachdem ein weiteres Konzert in Kanada lange im Voraus abgesagt worden war. Thomas, ein treuer Unterstützer aufstrebender Musiker bei seiner Gründung der New World Symphony und in anderen Werken, war sichtlich erfreut, dass sie hier gemeinsam auftreten konnten, und strahlte unter den Ovationen.
Warum, konnte man hören: Malofeev ist schon jetzt ein besonderer Pianist. Viele junge Künstler nutzen die Rachmaninow, um glänzende technische Fähigkeiten zu demonstrieren, und Malofeev hatte diese im Überfluss. Aber er interessierte sich für etwas mehr als das. Der erste Satz war breit, verträumt, alptraumhaft, die linke Hand unterbrach melodische Linien; die Kadenz war beunruhigend nachdenklich. Der zweite Satz wurde zu einem Balsam, der dritte zu einem Triumph, und wenn dieses Finale gefährlich in Schmaltz getränkt war, nun, das ist Rachmaninoff für Sie. Man muss Thomas zugutehalten, dass er dorthin ging, wo Malofeev ihn hinführte, und auch das Orchester mitbrachte.
Das Sonntagskonzert bot Thomas die Gelegenheit, mit der Aufführung von Beethovens Neunter Symphonie, einer Tanglewood-Tradition, am Ende der Saison ein interpretatives Statement abzugeben. In gewisser Weise hielt er sich an die Art und Weise, wie sein Beethoven in letzter Zeit war, stabiler und kräftiger als die neue Norm.
Mit dem Tanglewood Festival Chorus zur Hand, zusammen mit einem Vokalquartett aus Jacquelyn Stucker, Kelley O’Connor, Ben Bliss und Dashon Burton, war dies ein stoischer Beethoven, ruhig, selbstbewusst und kontrolliert, lyrisch im langsamen Satz, aber eher zärtlich als verzückt — Beethoven des Hier und Jetzt also und nicht des Jenseits. Abgesehen von einigen hart geschlagenen Pauken war es auch fest von der alten Schule. Mit ihren nach vorne gerichteten Holzbläsern und ihrer entschlossenen Linienstärke – die Fuge im Finale war geradezu eigensinnig – erinnerte sie mich fast an Otto Klemperer.
Charles Ives‘ „Psalm 90“, ein ätherisches, aber kosmisch dissonantes Gebet für Sopran, Tenor, Chor und Orgel, stellte Beethoven ein charakteristisches Stück Thomas-Programmierung vor, das die Ohren verrenkt, obwohl er den Chorleiter James Burton mit der Leitung überließ. Ives arbeitete jahrelang daran und betrachtete es schließlich als seinen Abschied vom Komponieren; sein Ende ist zutiefst tröstlich.
„So lehre uns, unsere Tage zu zählen“, heißt es teilweise im Text, „damit wir unser Herz der Weisheit zuwenden.“
Vielleicht gab es doch eine Nachricht.
Die New York Times
