Hat Kunst bei uns Spaß?

0 678

Melisa Vardal – In der Kunst, die als ein Konzept gilt, das zu weit gefasst ist, um es in eine klare Form zu bringen, stoßen wir heute auf verschiedene Werke, die manchmal sogar als „seltsam“ bezeichnet werden können. Als klar wurde, dass der oben hängende Vorhang einer Biennale ein Kunstwerk darstellte, fragten Kritiker und Kunstliebhaber: „Macht Kunst bei uns Spaß?“ Er sagte die Frage laut. Die Ausstellung der Unterwäsche seiner Ex-Freundinnen durch den Künstler namens Jonathas de Andrade löste dieselbe Debatte erneut aus. Andrades Installation „Olho-faísca/Sparkling Eye“ zeigt 68 Paar Herrenunterwäsche, vakuumverpackt. Der Preis der Arbeit beträgt 50.000 Dollar, also 735 Dollar pro Paket!

Nach Ansicht vieler Kritiker sollten solche Nachrichten in einer Zeit, in der Kunst zur Ware geworden ist, nicht überraschen. Denn ein Blick auf den Markt genügt, um zu verstehen, dass nicht nur die Kunst, sondern auch die Handschrift des Künstlers zur Ware gemacht und der Künstler fetischisiert wurde. Im Jahr 1961 produzierte Piero Manzoni sein berühmtes Werk „La merda d’artista/Die Exkremente des Künstlers“, um diesen Zustand zu kritisieren und zu sagen: „Das ist kompliziert…“. Ziel des italienischen Künstlers war es, den Kunstmarkt, die Art und Weise, wie sich Künstler von den von ihnen geschaffenen Werken abheben, und die Konsumkultur zu kritisieren und davor zu warnen. Er konservierte seinen Kot und schrieb in verschiedenen Sprachen darauf: „Der Kot des Künstlers, 30 g, unverfälscht, in seiner Frische erhalten.“ Manzonis satirische Dose mit der Aufschrift „Produktions- und Verpackungsdatum Mai 1961“ wurde für 100.000 Dollar verkauft.

Schwanz für Brille

Der Glaube, dass Kunst in allen Formen auftreten kann, wurde vor allem durch Marcell Duchamps Urinal „Fountain“ geprägt. Das umgedrehte Urinal, das Duchamp 1917 signierte, vermittelte die Botschaft, dass Kunst keiner privilegierten Klasse angehört. Dieses Werk, das in der damaligen Künstlerszene für Aufsehen sorgte, hatte zweifellos großen Wert bei der Zerstörung von Idolen. Kritikern zufolge hat sich jedoch seitdem ein Verständnis herausgebildet, das Duchamps Aussage ausschließt und nur die Form in den Mittelpunkt stellt.

„Ist das Kunst?“ Die Frage lässt sich anhand vieler Beispiele wiederholen. Das erste, was mir in den Sinn kommt, ist „Banane an der Wand“. Für große Kontroversen sorgte erneut das Werk des italienischen Künstlers Maurizio Cattelan mit dem Titel „Comedian“, bei dem er eine Banane mit einem grauen Klebeband an die Wand klebte. Das Werk fand für 120.000 Dollar einen Käufer und wurde mit „einer Anleitung, was zu tun ist, wenn es verrottet“ verkauft. Im vergangenen Jahr wurde auch die „Fish“-Installation am Stand mit dem Titel „Mourning: A Curatorial Essay in the Awakening of Loss“ in Südkorea als Kunstform solcher Kritik ausgesetzt. Der Künstler namens Yu Buk sperrte 15 Fische in Serumbeuteln ein und sagte, dass ihr Tod ein Teil der Arbeit sei. Der auf viele Reaktionen stoßende Künstler machte das Fliegen- und Insektensterben zu einem Teil seiner „Kunst“ und bezog es in seine weiteren Werke ein. Ein weiterer Name, der für seine unvergleichlichen Werke bekannt ist, ist der britische Künstler Damien Hirst. Der Künstler, der in seinen Werken häufig das Thema Tod thematisiert, stellte tote Tierfiguren in Formaldehyd aus, das als industrielles Desinfektionsmittel eingesetzt wird. Auch Martin Creeds Arbeit mit dem Titel „Turning on and off the Lights“ überraschte die Besucher. Creeds Werk war ein Lichtblitz in einem leeren Raum. Die vielleicht treffendste Antwort auf diese Frage gaben zwei junge Leute, die ihre „Brillenkunst“ an einem Stand in San Francisco auf dem Boden liegen ließen. Es bildeten sich Warteschlangen für Jugendliche, die zum Spaß Fotos mit den Brillen machten, die sie auf den Boden stellten.

Ayşegül Sönmez (Kunstkritikerin)

„Künste, die schockieren, unterliegen schnell dem Leben“

Genau 12 Jahre nachdem Tracey Emin ihre Tampons zur Schau gestellt hatte, gab sie bekannt, dass sie dies bereute. Tatsächlich schämt er sich und legt nun Wert auf Privatsphäre in seinen Werken … Es ist unvermeidlich, dass der Künstler die Ästhetik bereut, die die Leute dazu bringt, zu sagen: „Ist das auch Kunst?“, „Das kann ich auch.“ Werke, die schockieren, und versuchen, dem Leben nachzueifern … Ich denke, es schadet nicht, wenn sich das Leben mit der Kunst vermischt. Es gibt kein Problem, solange wir fragen, was wir Kunst nennen. Andererseits ist das Beispiel von Tracey Emin wertvoll. Es ist wertvoll, weil es uns sofort den raschen Wandel des Konzepts der Privatsphäre verdeutlicht.

In den frühen 90ern war das Persönliche politisch. Doch dann traten Facebook, Instagram und Tik Tok in unser Leben. Was wir als besonders bezeichnen, hat sich so sehr verändert … Alle unsere künstlerischen, schockierenden Äußerungen über das Private und Persönliche wurden plötzlich ungültig. Kunst, die schockiert, erliegt schnell dem Leben. Ihre Kunst versucht, dem Leben zu ähneln, aber das Leben vergeht schnell.

Staatsangehörigkeit

Leave A Reply

Your email address will not be published.