Fünf Minuten, in denen Sie den Jazz des 21. Jahrhunderts lieben werden
In den letzten Monaten hat die New York Times Jazzmusiker, Kritiker und Gelehrte gebeten, die Frage zu beantworten: Was würden Sie einem Freund vorspielen, damit er sich in Duke Ellington verliebt? Oder Alice Coltrane? Wir haben auch Bebop, Vocal Jazz und die Kataloge von Ornette Coleman und Sun Ra behandelt.
Das ist eine Menge Zuhören. Also haben wir diesen Monat beschlossen, zu untersuchen, was jetzt passiert. Wo ist Jazz heute ? Es ist eine gute Zeit zu fragen. Noch vor einem Dutzend Jahren schien die Musik in einer Selbstwertkrise zu stecken. Wo war sein Zentrum? Könnte irgendetwas seine Relevanz garantieren?
Aber man könnte sagen, dass der Jazz in den letzten fünf oder zehn Jahren eine Art Ego-Tod durchgemacht hat, und dann eine Wiedergeburt: Heute gibt es keinen bestimmten Sound oder Stil, den alle jungen Spieler bewahren wollen, sondern Jazz als Ganzes trainieren — die Verpflichtung, gemeinsam musikalische Abenteuer zu erleben, live und in Echtzeit; Musikinstrumente als Schreibutensilien für eine Erzählung zu behandeln – war seit Jahrzehnten nicht mehr so lebendig. Infolgedessen stehen Künstler im gesamten Jazzspektrum in angenehmem Kontakt mit Hip-Hop, zeitgenössischer Poesie, der Black Lives Matter-Bewegung und dem visuellen Hintergrund.
Im Folgenden haben wir Schriftsteller und Jazzmusiker verschiedener Generationen gebeten, ihre Lieblingsaufnahmen aus dem neuen Jahrtausend zu empfehlen. Viel Spaß beim Lesen ihrer Kommentare und beim Anhören der Auszüge. Am Ende des Artikels finden Sie eine Playlist mit vollständigen Titeln. Lassen Sie wie immer Ihre eigenen Favoriten in den Kommentaren.
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Terri Lyne Carrington, Schlagzeuger
Während der Swing-Ära war Jazz führend in den Trends der Popkultur und wurde sogar als Tanzmusik wahrgenommen, aber dann gab es eine seismische Verschiebung hin zum Sitzen und Zuhören. Ich bin ermutigt durch das Auftauchen von Künstlern heute, die dem „Groove“ in ihrem Jazz nachgegangen sind, ohne Kompromisse bei der Kreativität einzugehen, und uns daran erinnern, dass dies Musik sein kann, die Lust auf Bewegung macht. Kassa Overall ist so ein Künstler. Ich liebe seinen Song „Who’s on the Playlist“, weil er die Frage aufwirft: „Ist das Jazz oder ist das Hip-Hop?“ Kassa ist ein herausragender Stilbändiger und Mixer, der Genres durch sein Produktions-Know-how und die Verwendung melodischer und harmonischer Formen, die geschickt das Neue mit dem Alten integrieren, erfolgreich nebeneinander stellt. Dieser Track ist authentisch und unprätentiös und verbindet akustische Instrumente mit elektronischen Sounds, eingängige Hooks mit Improvisation und abwechslungsreichen musikalischen Abschnitten sowie Jazz-Akkorde mit polyrhythmischen Raps, die persönliche Geschichten in Hip-Hop-Sprache ausdrücken. Es zeigt eindrucksvoll die konsequente Innovation im Kontinuum der schwarzen Musik und ermutigt uns, keine Grenzen in den Sand zu ziehen.
„Wer ist auf der Playlist“
Kassa Overall feat. Judi Jackson
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Sonny Rollins, Saxophonist
JD Allen hat einen Kaç, vollen Sound: Er füllt wirklich den Raum, wenn er spielt. Als ich vor vielen, vielen Jahren in Chicago lebte, gab es mal einen Spieler namens Alec Johnson. Alec hatte einen dieser starken Sounds, die dich wirklich fesseln würden: „Wow, hör dir das an – der Musik, der Lautstärke!“ Wenn ich also JD höre, erinnert er mich auf diese Weise an Alec. Er hat einen Kaç, großen, fetten Sound, und er hat viele Ideen. Er klingt nicht mehr so wie früher wollen um etwas zum Spielen zu finden. Das hat mich wirklich beeindruckt, und ich mochte ihn wirklich, als ich ihn live auftreten hörte. Es gibt heute so viel Musik hier draußen, ich bin froh, dass er die Flamme behält.
„Sohnhaus“
JD Allen
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Marcus J. Moore, Jazzautor
Ich bewundere seit langem die künstlerische Vielseitigkeit von Luke Stewart: Man sieht ihn als Mitglied des Free-Jazz-Quintetts Irreversible Entanglements den Kontrabass zupfen, als eine Hälfte der Psych-Rock-lastigen Blacks‘ Myths Elektro spielen oder sich selbst engagieren traditionelle und frei geformte Hybriden an der Spitze seines Silt Trio. Während es schwierig ist, herauszuheben was ist das Stewart-Song als meinen Favoriten, komme ich immer wieder zu „Awakening the Masters“, dem treibenden Opener seines 2020er Albums „Exposure Quintet“. Der Bass-Loop fesselt und verleitet die Reedisten Ken Vandermark und Edward Wilkerson Jr., den Pianisten Jim Baker und den Schlagzeuger Avreeayl Ra dazu, mit aufsteigendem Saxophongeheul, eskalierenden Becken und wogenden Klavierakkorden, die sanft im Mix schweben, darauf aufzubauen. Auch wenn sich die Harmonie entwickelt und verändert, schlendert Stewart weiter, sein Bass hält den Song in einer stabilen rhythmischen Tasche. Ich glaube, deshalb gefällt es mir so gut: Es ist ein Mikrokosmos von Stewarts zentrierter Präsenz im gesamten Spektrum experimenteller Musik. Unabhängig vom Subgenre ist er eine unerschütterliche Kraft, die die Musik vorantreibt.
„Erwachen der Meister“
Luke Stewart Exposure Quintett
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Theo Croker, Trompeter
Ich habe darüber nachgedacht, was die Leute ehrlich zu dieser Musik bringen würde, und es ist etwas Junges zu hören. Denn junge Menschen waren schon immer die Pioniere dieser Musik. Die Menschen werden mit zunehmendem Alter zu großen Meistern, aber es ist etwas, das sie in jungen Jahren getan haben, das alle verstanden und mit dem sie sich verbunden haben. Mit Domi & JD Beck klingen sie nicht abgestumpft von der Jazzschule; Sie klingen, als würden sie ihr Ding machen. Sie respektieren alles bisher Dagewesene und treiben ihr eigenes Ding voran. es hat viel Integrität, aber es ist auch verspielt; Es ist sehr technisch, aber es macht auch Spaß. Und mit diesem Track haben sie uns ein Juwel geschenkt: ein weiterer Vocoder-Song von Herbie Hancock! Es gab immer diese beiden Klassiker – „I Thought It Was You“ und „Come Running to Me“ – aber jetzt haben wir einen weiteren.
„Mond“
Domi & JD Beck feat. Herbie Hancock
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Billy Hart, Schlagzeuger
Immanuel Wilkins verbringt eindeutig viel Zeit mit dem Instrument, genau wie John Coltrane. Offensichtlich steckt er das Horn oft in den Mund. Es gibt einige andere Typen, die Talent haben, aber ihr Wunsch ist es, beliebt zu sein. Aber die Musik von Immanuel Wilkins hat wirklich eine gewisse Tiefe und wird die Zukunft beeinflussen, zumindest so wie ich es sehe. Dieses erste Album von ihm, „Omega“, hat wirklich neue Wege beschritten. Es ist beträchtlich. Und das hat mit Tradition zu tun.
„Gnade und Barmherzigkeit“
Immanuel Wilkins
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Giovanni Russonello, Jazzkritiker der Times
Wenn Sie sich wirklich auf ein Musikstück einstimmen, worauf achten Sie normalerweise? Die Wörter? der Beat? Eine Linie, die Sie summen lassen können? Nicole Mitchells Musik mit dem Black Earth Ensemble belohnt jede Art von Zuhören, aber am besten wird sie mit einem Gefühl der Hingabe aufgenommen. Begrenzen Sie Ihre Erwartungen an das, was als nächstes kommen könnte. Setzen Sie Ihren Körper unter Einfluss. Auf „Mandorla Awakening II: Emerging Worlds“, einer LP aus dem Jahr 2017, die von Octavia Butlers Schriften beeinflusst wurde, verleiht der Dichter und Sänger Avery R. Young Pfingst-Flair in Zeilen ernsthafter Anerkennung – „Ich möchte meine Klinge aufheben / Aber dann muss es wieder sei ein anderer Weg“, brüllt er – während Mitchells Flöte um ihn herum peitscht und zittert, eine wohlbeherrschte Naturgewalt. Das achtköpfige Ensemble spielt eine Mischung aus asiatischen, europäischen und afro-diasporischen Instrumenten und hebt die High-Water-Marke allmählich, in Spritzern, bis Sie mitgerissen werden. Mitchell ruft die Seelen-Erinnerungen dieser Musik wach, die so oft an einem bestimmten Ort verankert sind: Ornette Coleman in der Prince Street, Fred Anderson auf der South Side, Alice Coltrane in Kalifornien, Archie Shepp in Algerien. Aber sie strebt auch nach etwas unvorstellbar Besserem – was Saidiya Hartman „das Nirgendwo der Utopie“ nennt, wenn Sie so wollen.
„Glänzender Teiler“
Nicole Mitchel
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Melanie Charles, Sängerin und Flötistin
Ich erinnere mich an meinen Abschluss an der La Guardia High School, als ich dieses Lied hörte und mich befreit und begeistert über die Möglichkeiten fühlte, wie meine Generation mit improvisierter Musik interagieren könnte. Renée Neufvilles Stimme passt perfekt zu Roy Hargroves Spiel und Gesang. Kompositorisch scheint die Melodie sehr einfach zu sein. Wenn Sie jedoch versuchen, mitzusingen, stellen Sie fest, dass dies möglicherweise etwas mehr von Ihnen verlangt. Und das ist der Spaß daran. Der Song weckt Gefühle von House-Partys und Underground-Shows, und man fühlt sich, als wäre man mit der Band im Studio. Es ist ein sehr ehrlicher und schnörkelloser Track, bei dem man nicht anders kann, als ihn immer wieder spielen zu wollen.
„Verrücktes Rennen“
Der RH-Faktor
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Ayana Contreras, kritisch
Übersetzt als „Tribute to the Old Guard“, ist dieser Schnitt eine verführerische Neuinterpretation von Idris Muhammads Jazz-Funk-Klassiker „Loran’s Dance“ von 1974, einer Platte, die Teil meiner eigenen Initiation als Jazzfan war. Hinter dieser Einheit steht die Combo aus Karriem Riggins und Madlib, zwei Produzenten mit vielen Bindestrichen, die unbeirrt den schmalen Graben zwischen Jazz und Hip-Hop auf immer elektrisierendere Weise überbrückt haben. Mit genau der richtigen Mischung aus Verzerrung und staubigen Synthesizern, knackigen Boom-Bap-Drum-Licks und Sonnenschein fühlt sich die Platte an wie das, was Raphael Saadiq als „Instant Vintage“ bezeichnet, und doch frisch wie die Sonne auf den nackten Schultern am ersten warmen Frühlingstag.
„Hommage à La Vielle Garde (Pour Lafarge Et Rinaldi)“
Jahari Massamba-Einheit
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David Renard, Chefredakteur der Times
Fünf Minuten, fünf Stunden, fünf Tage – bevor diese albumlange Komposition von Natural Information Society Sie in ihren Bann zieht, fühlt es sich an, als könnte sie ewig fließen. Joshua Abrams, der Leiter der Gruppe, war in einer frühen Version der Roots, bevor er nach Chicago zog und Teil der Indie- und Jazzszene dieser Stadt wurde; jetzt spielt er die Guimbri, eine dreisaitige afrikanische Basslaute, die das beständigste Element ist, das den sich ständig verändernden „Abstieg (Out of Our Constrictions)“ verankert. Das Zusammenspiel der Guimbri mit Lisa Alvarados (vibrierendem, psychedelischem) Harmonium, Jason Steins Bassklarinette und Mikel Patrick Averys Schlagzeug schafft ein Klangbett wie ein gewebtes Muster, das Raum lässt für das frei blasende Saxophon von Evan Parker, einem 20. Jahrhundert Improvisationsveteran, der im 21. immer noch stark ist, um über die Spitze zu steigen. Als Natural Information (ohne Parker) dieses Stück 2021 live im Woodsist Şenlik im Bundesstaat New York aufführte, zwischen den Sets von Angel Bat Dawid und Kurt Vile, fühlte es sich noch mehr wie ein lockeres Spiel des minimalistischen musikalischen Ping-Pong an – eine Runde Robin ohne Gewinner, nur jeder Spieler trifft die richtige Stelle und fällt zurück, als der nächste auftaucht, um sich der bezaubernden Kaskade anzuschließen.
„Herabstieg (aus unseren Engen) I“
Natürliche Informationsgesellschaft mit Evan Parker
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Joshua Redman, Saxophonist
Aus einem unendlichen Meer von überzeugenden Optionen, die sich über die gesamte stilistische Landkarte des Jazz erstrecken, habe ich am Ende einen Track ausgewählt, den manche vielleicht als „geradeaus“ bezeichnen (obwohl ich diesen Begriff nicht besonders mag), nur um es zu versuchen helfen, dafür zu sorgen, dass diese besondere Art des gemeinschaftlichen Ausdrucks immer noch floriert und sich vorwärts bewegt. Es ist keine Kleinigkeit, eine Kastanie wie „Body and Soul“ – einen der meistgespielten Standards in der Geschichte der aufgenommenen Musik – zu nehmen und sie frisch, relevant, interessant und schön erscheinen zu lassen. Der Pianist Gerald Clayton, der Bassist Joe Sanders und der Schlagzeuger Marcus Gilmore sind ohne Frage drei der ganz Großen ihrer Generation und einige der aktivsten und am meisten nachgeahmten Musiker der heutigen Szene. Sie haben das gewachsene Vokabular und die gängigen Praktiken ihres Rückens gründlich aufgenommen und verinnerlicht und sie sich vollständig und unverkennbar zu eigen gemacht. Ihre Verbundenheit – miteinander, mit ihrem Publikum und mit dieser gemeinsamen musikalischen Sprache – ist nuanciert, einfühlsam, großzügig und ungezwungen. Sie versuchen nicht, irgendetwas zu beweisen. Sie sind für die Fahrt dabei, und was für eine Fahrt es ist: Tanzmusik.
„Körper und Seele“
Gerald Clayton
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Kris Davis, Pianist
Wenn Sie jemals die Gelegenheit haben, Craig Taborn solo spielen zu sehen, gehen Sie ohne Verzögerung, und Sie werden wie gebannt sein. Auf diesem Track „Gift Horse/Over the Water“ können Sie Einflüsse von elektronischer Musik, Minimalismus, zeitgenössischer klassischer Musik und Jazz hören, insbesondere von den Pianisten Geri Allen und Keith Jarrett. Craig hat durch seine einzigartige Note am Klavier und die nahtlose Synthese unterschiedlicher Einflüsse bedeutende Beiträge zum Jazz und Soloklavier im 21. Jahrhundert geleistet. In den letzten 20 Jahren ist sein Einfluss bei vielen improvisierenden Pianisten zu hören, darunter Vijay Iyer, Marta Sanchez, Matt Mitchell, Micah Thomas und ich.
„Geschenk-Pferd/Über dem Wasser“
Craig Taborn
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Wadada Leo Smith, Trompeter
Ich hatte immer den Eindruck, dass Entdeckungen der höchste Wert der Menschheit sind, und wenn man das Glück hat, etwas zu entdecken, geht es nie verloren, weil es ein Teil von ihnen wird. Wann immer ich mit Sylvie Courvoisier auf der Bühne gespielt habe, habe ich mich nie behindert oder verlassen gefühlt oder als müsste ich nach einem Weg suchen, um weiterzumachen. Es war immer eine gemeinsame und kreative Reise. Sie hat Mut, und das sieht man ihr am Klavier an: Wenn sie inspiriert ist, auf etwas zuzugehen, geht sie nicht einfach in die Nähe, sie schreitet voran, als würde sie dorthin gehen, um die Schöpfung zu retten. Das ist die Art von Mut, die sie hat. Und sie findet jeden Weg, Musik mit dieser Einstellung auszudrücken. Das ist die Musik unserer Zeit, die wie ein Kronjuwel verborgen ist – und nur diejenigen, die wirklich neugierig sind und große Fantasien und Vorstellungskraft haben, werden sie finden. Denn in der Dunkelheit ist alles dunkel, außer denen, die hell sind.
„Requiem d’un Songe“
Sylvie Courvoisier, Ned Rothenberg und Julian Sartorius
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Tomeka Reid, Cellistin
Diese ganze Platte, „Like-Coping“, von 2003, ist wunderschön: von den Eröffnungsnoten von „Miriam“ bis zum letzten Track. Dies ist Parkers erste Solo-Veröffentlichung auf Delmark, einem Label aus unserer gemeinsamen Heimatstadt Chicago, mit Chad Taylor am Schlagzeug und Chris Lopes am Bass. Ich kann nicht glauben, dass es dieses Jahr 20 Jahre alt wird! Es klingt immer noch so frisch. Jedes Mitglied steuert äußerst gut gemachte Ohrwürmer bei, die auf die beste Art und Weise in Ihrem Kopf hängen bleiben. Sogar die Art und Weise, wie die Platte sequenziert ist, ist brillant. „Pinecone“, geschrieben von Lopes, ist die Komposition, die mich am meisten zum Tanzen bringt.
„Tannenzapfen“
Jeff Parker
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Die New York Times