Erwähnen Sie in russischen Theaterstücken nicht den Krieg

Seit Russland vor fast einem Jahr in die Ukraine einmarschiert ist, haben Kulturinstitutionen in Europa und den Vereinigten Staaten darüber nachgedacht, was mit der russischen Arka geschehen soll. Tschaikowskys militaristische Ouvertüre von 1812? Potenziell anstößig und von vielen Konzerten gefallen. Dostojewski? Einer der Lieblingsautoren von Präsident Wladimir W. Putin, der in der Ukraine und anderswo wegen seiner expansionistischen Ansichten ins Kreuzverhör genommen wurde.

Tschechows Stücke dagegen? Bisher zieht sie niemand von der Bühne.

Das russische dramatische Repertoire ist im weiteren Sinne unter dem Radar geflogen. In Paris wurden Ende Januar und Anfang Februar nicht weniger als vier russische Stücke in prominenten Schauspielhäusern aufgeführt, darunter Tschechows „Die Möwe“ und „Onkel Wanja“ sowie weniger bekannte Werke wie Stücke von Turgenjew („Ein Monat „auf dem Land“) und von Ostrovsky („Der Sturm“).

Und die beteiligten Künstler scheinen den Krieg nicht zu erwähnen. Während die ukrainische Flagge im Jahr 2022 regelmäßig auf französischen Bühnen gehisst wurde, tauchte sie kurz zuvor bei den Aufführungen dieser vier Stücke auf, die ich gesehen habe: Am Ende von Turgenjews „Ein Monat auf dem Land“ im Athénée Théâtre Louis-Jouvet, Ein Schauspieler holte es hervor und hielt es während des Vorhangrufs. Nur ein Theaterzettel für „Die Möwe“ im Théâtre des Abbesses erwähnte die Ukraine.

In einem Land wie Frankreich, wo die Unterstützung für die Ukraine unerschütterlich ist, liegt dies kaum an mangelnder Sympathie. Es hat wahrscheinlich mehr mit dem Ruf des russischen Theaters für Universalität zu tun – dem Glauben, dass ein Dramatiker wie Tschechow tiefgreifende Wahrheiten über die menschliche Existenz enthüllte, die weit über die Grenzen Russlands hinausgingen. Wie der Darsteller Mikhail Baryshnikov, der 1974 aus Sowjetrussland übergelaufen ist und sich gegen den Krieg ausgesprochen hat, letztes Jahr gegenüber der New York Times sagte: „Das Wunder an Tschechows Werken ist, dass es sich, egal wo es aufgeführt wird, lokal in der Kultur anfühlt. ”

Die Regisseure dieser vier russischen Stücke haben sie vermutlich nicht im Zusammenhang mit geopolitischen Ereignissen ausgewählt. Die Sets für alle Produktionen, die ich gesehen habe, waren geschmackvoll vage, und die Kostüme sind größtenteils zeitgenössisch. Da Theaterproduktionen in Frankreich in der Regel mindestens zwei Jahre, bevor sie auf die Bühne kommen, geplant werden, wären alle höchstwahrscheinlich vor der Invasion der Ukraine im vergangenen Februar geplant worden.

Dennoch bietet das Ansehen von Stücken aus dem 19. Jahrhundert von Tschechow, Turgenjew und Ostrowski in kurzer Folge einen faszinierenden Einblick in die russische Kultur, die die darstellenden Künste seit langem schätzt. Nach ein paar aufeinanderfolgenden Nächten begannen sich die Charaktere verbunden zu fühlen. Die unglücklich verheiratete Natalja Petrowna in „Ein Monat auf dem Land“ hatte eine Verwandtschaft mit Helena in „Onkel Wanja“ und Katerina in „Der Sturm“. Alle drei leiden unter Langeweile und Vernachlässigung auf dem Land; Alle drei suchen Trost in Affären, die schlecht enden.

Das ist natürlich kein Zufall. Ostrovsky und Turgenev kannten sich, und Tschechow, der später im 19. Jahrhundert volljährig wurde, kannte die Arbeit und die Namensprüfungen seiner Vorgänger in „Onkel Wanja“.

Die Themen, die sie erforschten, sprechen soziale Gräben an, die sich über Kulturen hinweg manifestieren. Klassenkämpfe, wie die Macht der Landbesitzer über reguläre Arbeiter oder die Verachtung städtischer Professoren und Künstler für das Landleben, untermauern die Beziehungen der Charaktere ebenso wie der Einfluss dieser patriarchalischen Gesellschaft auf Frauen. (Schlechtes Wetter und Alkohol spielen ebenfalls eine herausragende Rolle.) Anders als in vielen russischen Romanen kommen keine patriotischen Kriege, die nach einheimischen Männern rufen.

Brigitte Jaques-Wajemans „The Seagull“ plädiert am leidenschaftlichsten für Tschechow als Gefäß für die Gefühle der Welt und nicht für irgendein spezifisches Gefühl der Russenhaftigkeit. Am Théâtre des Abbesses, der zweiten Bühne des Théâtre de la Ville, hat sie sich für eine sehr sparsame Inszenierung entschieden: Neben einer gemalten Kulisse, die an den im Stück erwähnten See erinnert, verfügt die Besetzung nur über eine kleine erhöhte Bühne aus Holzklötzchen und eine wenige Tische und Stühle zum Arbeiten.

Dennoch wird jedes Element wunderschön verwendet. Eine der großen Stärken von Jaques-Wajeman liegt in der Präzision ihrer Arbeit mit den Schauspielern, und hier bringt sie jedem eine individuelle Farbe bei. Als Nina, das Mädchen vom Land, das davon träumt, Schauspielerin zu werden, beginnt Pauline Bolcatto als Ball unschuldiger Begeisterung, während Hélène Bressiant der resignierten Mascha einen Hauch von Gothic-Nihilismus verleiht. Als Arkadina, die erfolgreiche und snobistische Schauspielerin, die ihr Landhaus besucht, rockt Raphaèle Bouchard unwahrscheinliche Turbane und fuchsiafarbene Hosen.

Diese „Möwe“ brachte eine Konstante von russischem Spiel zu russischem Spiel zum Vorschein: Praktisch jeder in ihnen, egal wie reich oder erfolgreich, fühlt sich emotional verkümmert.

Das gilt auch für „Ein Monat auf dem Land“ und „Der Sturm“, zwei Stücke, die im Westen viel seltener zu sehen sind. Die Handlung von Ostrovskys „Der Sturm“, der 1859 uraufgeführt wurde, ist außerhalb Russlands vielleicht besser bekannt durch „Kat’a Kabanova“, die Janacek-Oper von 1921, die nach der Hauptfigur des Stücks benannt wurde. Kat’a oder Katerina hat einen Mann, den sie nicht liebt, und eine überhebliche Schwiegermutter. Sie beginnt eine verdeckte Beziehung mit Boris, der kürzlich in ihrer kleinen Stadt angekommen ist, nur um von den moralischen Implikationen überwältigt zu werden.

Denis Podalydès brachte eine sensible, visuell elegante Inszenierung von „The Storm“ ins Théâtre des Bouffes du Nord, angeführt von der fesselnden Mélodie Richard als Katerina. Ein Foto, das die Wolga zeigt, wird im Hintergrund auf Holztafeln reproduziert, die später umgedreht werden, um eine einfache, zweistöckige Struktur für die nächtlichen Eskapaden von Katerina und Boris in den Büschen zu schaffen.

„The Storm“ und „A Month in the Country“ zeigen beide Menschen, die sich an eingeschränkten Horizonten reiben. In „Ein Monat auf dem Land“ leidet nicht nur Natalya Petrovna, eine Frau, die sich in den jungen Hauslehrer ihres Sohnes verliebt. Wie Mascha in „Die Möwe“ sieht die junge Vera, eine Waise, die bei Natalyas Familie lebt, ihre Lebensoptionen als das, was sie sind, und findet sich mit einer freudlosen Ehe ab.

Juliette Léger vermittelt Veras Bogen mit bewundernswerter Leichtigkeit in Clément Hervieu-Légers fesselnder Inszenierung von „Ein Monat auf dem Land“. Tatsächlich fand die gesamte Besetzung eine bittersüße, realistische Balance zwischen Komödie und Tragödie, von Clémence Boué (Natalya) bis Stéphane Facco (wunderbar in der Rolle von Rakitin, Natalyas platonischem Begleiter).

Doch trotz all der emotionalen Wahrheit in diesen Charakteren, von Turgenjew und Ostrowski bis Tschechow, ist das Urteil für diejenigen, die vom Weg abgekommen sind, hart. Sie alle scheitern. Bestenfalls kehren sie in ein langweiliges Leben zurück; manchmal ist Selbstmord ihre bevorzugte Option.

Es sind düstere Aussichten für häusliche Dramen. Niemand fordert, dass diese Stücke abgesetzt werden, aber sie als „universell“ zu bezeichnen, ist etwas zu einfach. Wer sich im russischen Theater gegen soziale Normen auflehnt, wird niedergeschlagen.

Das ist an sich schon eine Botschaft.