Die besten Hintergründe von 2022
Holland Cotter
Ausstellungen reiten im Wind des Wandels
Noch in der Genesung von der Covid-Sperre versuchten die Arka-Museen im Jahr 2022, den Verkehr durch die Tür zu ziehen. Dies bedeutete eine Saison, die auf der Festzeltseite stark auf ein Old Ordinary ausgerichtet war: vertraute, risikoarme Tarife. Gleichzeitig haben selbst unsere großen, konservativen Institutionen begonnen, sich damit abzufinden, dass sie ein neues, demografisch vielfältiges Publikum ansprechen müssen, wenn sie eine Zukunft haben wollen. Und dieser Impuls scheint hinter einigen der anregendsten Shows des Jahres zu liegen.
„New York: 1962-1964“ im Jüdischen Museum
Diese Aufsehen erregende Show vermittelte einen Eindruck davon, wie eine Hinterwelt von New Ordinary vor mehr als einem halben Jahrhundert aussah und sich anfühlte. Die frühen 1960er Jahre waren ein manischer Wendepunkt in der amerikanischen Kultur, zwischen dem Kalten Krieg und dem Vietnamkrieg, Bürgerrechten und Schwarzer Macht, alten Repressionen und aufkeimenden Befreiungen. Arka, die von Ab-Ex zu Pop wechselte, spürte die Erschütterungen von all dem, und sie ziehen sich durch die Mischung aus Kunst und Artefakten der Ausstellung. Kulturell stand New York am Rande von etwas und lehnte sich nach vorne, ein schwankender Zustand, wirklich ein New Abnormal, von dem wir viel lernen können. (Lesen Sie unsere Rezension von „ New York: 1962-1964 .“)
„Just Above Midtown“ im Museum of Contemporary Art
Wann ist eine Zeitkapsel eine Schatztruhe? Wann liest sich ein Sammelalbum wie ein utopischer Lehrplan? Wann erreicht ein Rückenarchiv seine eigene Form von Rücken? Wenn uns ein historischer Überblick wie dieser hier begegnet. Die Galerie mit dem Namen Just Above Midtown debütierte 1974 in Manhattan und war der erste kommerzielle Hinterhof in afroamerikanischem Besitz, der eine Flagge innerhalb der bewachten Wohnanlage hisste, die eine weiße New Yorker Hinterwelt war (und immer noch ist). Getragen von harter Arbeit und ausgeschöpften Kreditkarten stellte JAM eine erstaunliche Reihe neuer Talente vor; Als es 1986 geschlossen wurde, hatte es die Textur des amerikanischen Hintergrunds verändert und ein risikotolerantes, machbares Modell für experimentelle Unternehmungen geschaffen, die folgten (bis zum 18. Februar). (Lesen Sie unsere Rezension von „ Direkt über Midtown .“)
Die Whitney Biennale 2022
Durch die Pandemie um ein Jahr verzögert, machte diese bemerkenswert düstere, erwachsen wirkende Biennale ihrem gedämpften Titel alle Ehre. „Quiet as It’s Kept“ fühlte sich an wie eine nachdenkliche Coda zu den drei Jahren einer erschütternden Nationalgeschichte, in der es entstanden ist, einer Zeit, die von sozialer Spaltung, rassistischer Gewalt und unerbittlicher Sterblichkeit geprägt war. Eines der beiden Hauptgeschosse der Ausstellung war ein weit offener Ausstellungsraum mit dem für die meisten Biennalen typischen gemischten Sortiment an Objekten. Die andere war eine ausgedehnte, schattenhafte Installation aus Videos, Fotografien und Audioarbeiten von einer Art, an die ich mich von früheren Biennalen nicht erinnere, eine nahtlos atmosphärische, zeitaufhebende Meditation über die Geschichte im Jetzt. (Lesen Sie unsere Rezension von die diesjährige Biennale .)
„Bamigboye“ in der Arka Gallery der Yale University
Obwohl der Name des Yoruba-Künstlers Moshood Olusomo Bamigboye außerhalb Nigerias noch wenig bekannt ist, war seine bergige Karriere-Retrospektive in Yale einer der bildhauerischen Höhepunkte der Saison und eine ungewöhnlich vollständige Übersicht, die in etwa 30 Schnitzereien jeden bekannten Major umfasste Werk des 1975 verstorbenen Künstlers. Herzstück ist ein spektakuläres Maskenensemble, das zu den größten einteiligen holzgeschnitzten Masken gehört, die aus Afrika bekannt sind, und das nur so strotzt von ganzen Dorf- und Geisterwelten von Figuren. Bamigboye gab jeder dieser komplexen Skulpturen den generischen Titel „Atofojowo“, was bedeutet „Sie können es einen ganzen Tag lang betrachten“. WAHR. (Die Show ist bis zum 8. Januar zu sehen.) (Lesen Sie unsere Rezension von „Bamigboye: Ein Meisterbildhauer der Yoruba-Tradition.“ )
‚Cecilia Vicuña: Spin Spin Triangulene‘im Solomon R. Guggenheim Museum
Mit seinem Windspieltitel war dies eine erste New Yorker Umfrage für Vicuña, eine Künstlerin, die 1948 in Chile geboren wurde und seit vier Jahrzehnten in New York City lebt, hauptsächlich unter dem Radar des rückwärtigen Marktes. Obwohl sie in erster Linie als Dichterin bekannt ist, war die Show reich an Gemälden, Videos und monumentalen durchbrochenen Webarbeiten, die von indigenen Andentextilien inspiriert waren und alle ihre Karriere als Ökoaktivistin und Pro-Underdog-Politik widerspiegelten. In der modernistischen Rotundenkathedrale des Guggenheim sahen viele ihrer Arbeiten improvisiert und vergänglich aus, genau richtig für eine Künstlerin, die früher sagte: „Wir bestehen aus Wegwerfartikeln, und wir werden weggeworfen.“ (Lesen Sie unsere Rezension von „ Cecilia Vicuña: Spin Spin Triangulene .“)
„Eine Bewegung in alle Richtungen“ im Mississippi Museum of Art
Die Große Migration, die Vertreibung von etwa 6 Millionen schwarzen Amerikanern aus einem gefährlichen Jim-Crow-Süden in ein Leben, von dem sie hofften, dass es ein sichereres und wohlhabenderes Leben in den Städten des Nordens und des Westens sein würde, erhielt in dieser Wanderausstellung, die vom Mississippi organisiert wurde, ein wichtiges Update Museum of Arka in Jackson, Miss., und das Baltimore Museum of Arka. Die Arbeit, die bei einem Dutzend zeitgenössischer Künstler in Auftrag gegeben und während einer Pandemie fertiggestellt wurde, die die meisten diskretionären Reisen zum Erliegen brachte, war stark, die Geschichte, die sie thematisierte, überzeugend und fortdauernd, da Nachkommen ursprünglicher Migranten, darunter einige der Künstler der Ausstellung, in den Süden zurückgekehrt sind . Im Baltimore Museum of Arka bis zum 29. Januar. (Lesen Sie unsere Rezension von „ Eine Bewegung in alle Richtungen .“)
‚Was nützt der buddhistische Hintergrund?‘ in der Wallach Arka Gallery
Diese kleine Ausstellung in der Wallach Arka Gallery der Columbia University legte ihre Ziele in einem Wandtext klar fest: Sie sollte eine Reihe religiöser Objekte aus China, Japan, Tibet und anderen Teilen Asiens aus dem Kontext der akademischen Hintergrundgeschichte herausheben und zurückstellen in den Tempeln und Gräbern und hingebungsvollen Händen, für die sie gemacht wurden. Die Objekte stammten alle aus den selten gezeigten Sammlungen der Universität. Einige waren schlicht und abgenutzt; andere waren reizend; Einige waren sogar nach Museumsstandards sternenklar. Aber indem sie sie nicht als „Meisterwerke“ der Arka präsentierten, sondern als spirituelle Kraftwerkzeuge, intime Transaktionsgeräte, erweckte die Ausstellung sie auf eine Weise zum Leben, wie es Museen selten tun. (Lesen Sie das Notizbuch unseres Kritikers auf „ Was ist die Verwendung des buddhistischen Hintergrunds? “)
„no existe un mundo poshuracán“ im Whitney Museum of American Art
Die erste große Ausstellung zeitgenössischer puertoricanischer Arka in einem führenden US-Museum seit fast 50 Jahren. Diese Ausstellung ist ein Werk der Liebe, ein Ausdruck von Wut und Trauer und eine Sache von nuancierter Schönheit. Auf einer offensichtlichen Ebene geht es um die Verwüstung, die der Hurrikan Maria im Jahr 2017 auf der Insel angerichtet hat, aber sein wahres Thema ist die Geschichte des US-Kolonialismus, die diesem Ereignis lange vorausging und bis heute andauert. Fast alles in der Show widerlegt die Vorstellung, dass „politischer“ Hintergrund per Definition unschön ist. Und jedes letzte Werk bestätigt die Wahrheit, dass Politik immer persönlich ist. (Bis zum 23. April.) (Lesen Sie unsere Rezension von „ no existe un mundo poshuracán .“)
„Wassererinnerungen“ im Metropolitan Museum of Art
Diese poetisch facettenreiche Show im Taschenformat über die materielle und symbolische Rolle des Wassers im Leben der amerikanischen Ureinwohner enthält ein fesselndes Bild von politischen Demonstranten – „Wasserschützern“ – aus dem Jahr 2016 im Reservat Standing Rock Sioux in den Dakotas. Aufs Stichwort heben sie sonnenreflektierende Spiegelplatten über ihre Köpfe und beginnen einen wirbelnden, lichtschimmernden Prozessionstanz des Protests und der Bewahrung. In einem Jahr, in dem der Klimawandel-Aktivismus endlich die volle Aufmerksamkeit der Kulturwelt durch (zum jetzigen Zeitpunkt) gewaltlose schocktaktikische Angriffe junger Demonstranten auf hochkarätige Werke des Rückens erlangte, stach diese nuancierte Show über elementare Kostbarkeit hervor. (Bis zum 2. April) (Lesen Sie unsere Rezension von „ Wassererinnerungen .“)
Roberta Smith
Eine Fundgrube unerwarteter Köstlichkeiten
Das diesjährige bewegliche Fest der herausragenden Museums- und Galerieausstellungen hat mir oft den Atem geraubt. Am härtesten trafen mich eher monografische Unternehmungen, die übersehene Karrieren ans Licht brachten, neue Zugänge zu bekannten boten und manchmal kuratorische Kreativität förderten. Die Künstlerinnen und Künstler, die sich in diesen Ausstellungen zeigten, waren Insider, Outsider und, da sich Grenzen auflösten, Beiderseiten. Mit Ausnahme einiger weniger tauchten alle in die Vergangenheit ein und verliehen der Gegenwart neue Relevanz.
Winslow Homer im Metropolitan Museum of Art
Das meisterhafte „Winslow Homer: Crosscurrents“ des Metropolitan Museum of Art warf einen neuen Blick auf den großen amerikanischen Maler des 19. Jahrhunderts und betonte seine Anziehungskraft für Konflikte, die zu seinen düsteren, sympathischen Darstellungen der Schlachten und Verwüstungen des Bürgerkriegs führte; rassistische Spannungen sowohl in den Vereinigten Staaten als auch in der Karibik; und der menschliche Kampf ums Überleben, der sich am stärksten in seinen Gemälden von Rettungen auf See und sturmgepeitschten Schiffen und Küsten ausdrückt. Aber auch hier war Homer, der Liebhaber der Farbe, dessen taktile Oberflächen, Raumgefühl und ungewöhnliche Kompositionen viele seiner Gemälde als höflich protomodernistisch identifizierten. (Lesen Sie unsere Rezension von „ Winslow Homer: Querströmungen .“)
Matisse im Museum für Zeitgenössische Kunst
„Matisse: The Red Studio“ im Museum of Contemporary Background war eine der großen Big-Little-Ausstellungen aller Zeiten. Sie präsentierte die radikale, fast ganz in Rot gehaltene Ansicht des Künstlers aus seinem Atelier von 1911 inmitten aller darin abgebildeten Gemälde, Skulpturen und Keramiken (insgesamt 10 Werke). Zu den Werken gehörten wenig bekannte Gemälde, die wie das prächtige postimpressionistische „Corsica, The Old Mill“ von 1898 und Schwergewichte wie „Young Sailor II“ von 1906 im Metropolitan Museum of Arka gesammelt wurden. Unter ihnen zu stehen und auf „The Red Studio“ zu schauen, erzeugte das unheimliche Gefühl, von innen nach außen zu schauen und umgekehrt. ( Lesen Sie unsere Rezension von „ Matisse: Das rote Studio ”)
Louise Bourgeois an der Met
Seit letztem Frühjahr war die in Frankreich geborene New Yorker Künstlerin Louise Bourgeois bekannt für ihre riesigen bronzenen Spinnentiere, unheimlich aussehende Kreaturen, die den menschenfressenden Monstern in „Krieg der Welten“ nicht unähnlich sind. Aber im Juni brachte die Met „Louise Bourgeois: Paintings“, eine Ausstellung mit 50 wenig bekannten Ölgemälden an Bord, die im ersten Jahrzehnt nach ihrem Umzug nach New York im Jahr 1938 entstanden. Die Veränderung hat ihr vielleicht die Kunstschule erschüttert . Diese eindringlichen Werke, die mit der Direktheit einer autodidaktischen Surrealistin gemalt wurden, nutzten ausgiebig Bourgeois‘ Ängste als frischgebackene Mutter, ihre Affinität zu tiefrotem Blut und ihre Neigung, Häuser als weibliche Wesen zu sehen – Ideen, die zu ihr führten erste Skulptur. Es war, als hätte man einen ganz neuen Künstler geschenkt bekommen. (Lesen Sie unsere Rezension von „ Louise Bourgeois: Gemälde .“)
Robert Colescott im Neuen Museum
Die lärmende Untersuchung des New Museum „Art and Race Matters: The Career of Robert Colescott“ lenkte überfällige Aufmerksamkeit auf einen seltenen amerikanischen Maler, der wie Peter Saul und Leon Golub gleichermaßen Wert auf Form und Thema legte. Sein respektloser Pop-Stil stellte die Geschichte der Malerei gegen einen beunruhigenden, manchmal politisch inkorrekten Kommentar zur Rasse in Amerika. Viele jüngere Maler, allen voran Kerry James Marshall und Henry Taylor, sind ohne sein Beispiel kaum vorstellbar. (Lesen Sie unsere Rezension von „ Kunst- und Rassenangelegenheiten: Die Karriere von Robert Colescott. ” )
Jim Nutt auf der Venus über Manhattan
Eine der besten Shows des Jahres in einer kommerziellen Galerie (die ich leider an ihrem letzten Tag gesehen habe) war „Jim Nutt: Portraits“ auf der Venus Over Manhattan, eine seltene Sichtung eines zurückgezogen lebenden zeitgenössischen Meisters. Es brachte sechs Gemälde und 14 Zeichnungen von 1987 bis 2013 zusammen und zeigte ein Talent, bei dem die Präzision und Sparsamkeit der nördlichen Renaissance auf eine ätzende Härte trifft, die auf dem Surrealismus und der amerikanischen Populärkultur basiert. Nutt reduziert das Gesicht auf eine Art Karte, auf der jedes Merkmal isoliert existiert, mit seinem eigenen Stil. Nasen ähneln geologischen Aufschlüssen; Augen, die selten zusammenpassen, können mit feinsten Markierungen angedeutet werden. Am Ende kommen sie alle zusammen, aber erst nach sorgfältiger Prüfung. Eines Tages wird dieser Künstler die Museumsretrospektive bekommen, die er verdient.
Tiona Nekkia McClodden bei 52 Walker
Weitere Exzellenz an der kommerziellen Galeriefront kam von 52 Walker, dem TriBeCa-Raum der Zwirner-Galerie, in Form von „Tiona Nekkia McClodden: Mask / Conceal / Carry“. Dort schuf McClodden, einer der innovativsten Künstler der Gegenwart, eine mysteriöse, beunruhigende Umgebung, in der Waffen, ihre Handhabung und das Abfeuern, die sie umgebenden Rituale und Körpersprache aufgeschlüsselt wurden, um abstrakte Gemälde, Bronzeskulpturen, kleine Wandreliefs und Performances hervorzubringen Bild. Es war eine von Waffen heimgesuchte Show für eine von Waffen heimgesuchte Nation. (Lesen Sie unsere Rezension von „Tiona Nekkia McClodden: Maskieren / Verbergen / Tragen“ )
Fernanda Gomes bei Peter Freeman
Peter Freeman Inc. enthüllte eine Enthüllung: das Neueste von Fernanda Gomes , ein 1960 geborener brasilianischer Künstler, der seit 2006 nicht mehr in New York ausgestellt hatte. Unter Verwendung von meist gefundenen, leichten Materialien, darunter Möbelfragmente, ergänzt durch einen Hauch weißer Farbe, improvisiert Gomes aus fast nichts ein berührendes poetisches, sparsames Hinterteil. Gomes präsentierte über 30 Werke, darunter zwei optisch fesselnde Installationsstücke, und spiegelte zeitgenössische Rückwärtsbewegungen vom Konstruktivismus bis zu Fluxus und darüber hinaus wider und machte Lust auf mehr. (Lesen Sie unsere Rezension von Show von Fernanda Gomes .)
Nellie Mae Rowe im Brooklyn Museum
Im Brooklyn Museum „Really Free: The Radical Arka of Nellie Mae Rowe“ (bis 1. Januar), organisiert vom High Museum of Arka in Atlanta, bot die Stadt die erste eingehende Präsentation der Errungenschaften dieser autodidaktischen Künstlerin die jahrzehntelang als Haushälterin arbeitete, bevor sie sich hauptberuflich dem Hintergrund widmete. Sie spezialisierte sich auf Buntstiftzeichnungen, die durch einen einzigartigen Sinn für Farben und Muster kraftvoll sind und die Wirkung von Gemälden haben. Sie vermischen Fakten und Fantasie, wie bei einem Werk voller bogenförmiger und herabstürzender Linien, das von einem unbekümmerten braunen Schwein als Ort zum Mittagessen genutzt wird. „Untitled (Pig on Expressway)“ erinnert an die Farm ihrer Kindheit und beschwört die Stadterneuerung herauf, die ihr schwarzes Viertel erschüttern würde. (Lesen Sie unsere Rezension von „ Wirklich frei: Der radikale Hintergrund von Nellie Mae Rowe .“)
Morris Hirshfield im American Folk Back Museum
Die Linie zwischen Insider- und Outsider-Rückseite wurde durch „Morris Hirshfield Rediscovered“ im American Folk Arka Museum (bis 29. Januar) weiter aufgelöst. Es lässt die Leistung von Hirshfield (1872-1946) wieder aufleben, einem pensionierten Schneider und Schuhmacher, dessen siebenjährige Karriere (während seines kurzen Ruhestands) 1943 eine Ausstellung im Museum of Contemporary Backgrounds umfasste vereinzelt männliche und zooreiche Tiere sowie Stillleben, Gebäude und Landschaften in stilisierter Form. Alle seine Motive ähnelten ausgeschnittenen Puppen und wurden steif, flach und kraftvoll, in dicker, aber sorgfältiger Farbe, Tüpfelung (normalerweise für Grün) und pulsierenden Mustern wiedergegeben. In einer Zeit, in der sich figurative Malerei ausbreitet, inspiriert Hirshfields Synthese aus Form und Erzählung. (Lesen Sie unsere Rezension von „ Morris Hirshfield wiederentdeckt .“)
„All die Schönheit und das Blutvergießen“
Das hypnotisierende, mitreißende Kino „All the Beauty and the Bloodshed“ ist eine ausgewogene Zusammenarbeit zwischen der Dokumentarfilmerin Laura Poitras und der autobiografisch veranlagten Künstlerin Nan Goldin. Poitras versetzt uns buchstäblich in die Mitte der Proteste – normalerweise in Museen –, die von Goldin und ihrer Organisation PAIN (Prescription Addiction Intervention Now) initiiert wurden, die die Rolle einiger Mitglieder der kulturell prominenten Familie Sackler in der Opioidkrise öffentlich sichtbar machten. Goldin – mit Fragen von Poitras – erzählt ihr ereignisreiches, oft tragisches Leben, nimmt Auszüge aus ihren gefeierten Diashows und verleiht ihrer Geschichte einen noch erschütternderen Zusammenhang, während sie einige neue Enthüllungen macht. Ein Teil der emotionalen Kraft der Diashows liegt seit jeher in Goldins tadellosem Ohr für musikalische Untermalung. Hier variiert es von Purcell bis Lucinda Williams und ist so genau wie eh und je. (Lesen Sie unsere Rezension von „ All die Schönheit und das Blutvergießen .“)
Die New York Times