Beste Tanzdarbietungen von 2022
Gia Kourlas
Ch-ch-Änderungen (und Fülle)
In Sachen Bewegung war dieses Jahr ein Wirbelsturm. Es gab Wiederaufnahmen und Uraufführungen, Tänzer-Debüts und Bücher, Bücher und noch mehr Bücher (hauptsächlich über Ballett). Neue künstlerische Leiter wurden ernannt: Susan Jaffe vom American Ballet Theatre und Tamara Rojo vom San Francisco Ballet; Es wurde auch angekündigt, dass Robert Garland diese Rolle am Dance Theatre of Harlem übernehmen würde. Und im Einklang mit einer neuen Generation gibt es Pageant, einen experimentellen, von Künstlern geführten Raum, der kürzlich nach Brooklyn verlegt wurde, wo gemischte Rechnungen darauf hindeuten, dass Bewegung – technisch, expansiv, umfassend – ein Comeback feiert.
Leider – es ist der schlechte Teil eines Wirbelsturms – habe ich verpasst, was das Ereignis der Herbstsaison hätte sein können: eine bizarre, konfrontative Diskussion zwischen Yvonne Rainer und Bill T. Jones bei New York Live Arts nach Rainers „Hellzapoppin‘: What About the Bees?“, vielleicht ihre letzte Arbeit, die ihr weißes Privileg als das, was sie „eine sich ständig erholende Rassistin“ nannte, untersuchte.
Filmmaterial ist noch nicht verfügbar, aber sehen Sie sich Episode 277 des Podcasts „Dance and Stuff“ an, um einen beeindruckenden Überblick zu erhalten. Passenderweise heißt es „With Drama“.
Es stellte sich heraus, dass in diesem Jahr weit mehr als 10 Aufführungen zur Auswahl standen, was nie ein schlechtes Zeichen ist. Was folgt, ist eine gekürzte Liste in alphabetischer Reihenfolge.
Mayfield Bäche
Als Teil der Frühlingsplattform 2022 von Danspace Project, „The Dream of the Audience (Part II)“, präsentierte der Choreograf einen verträumten, mystischen Blick auf Trauer – teilweise inspiriert durch den Tod eines Freundes und Tanzpartners – das war auch so im Zusammenhang mit Brooks‘ Walforschung. In „Sensoria: An Opera Strange“ gab es Gesang, Tanz und sogar ein gespenstisches Duett. ( Lesen Sie unser Feature über Brooks‘ „Whalefall“. )
Trisha Brown Dance Company
Das Unternehmen bot zwei großartige Aufführungen an unterschiedlichen Orten, eine im Joyce Theatre – das Programm umfasste zwei Tänze, die mit dem Künstler Robert Rauschenberg kreiert wurden – die andere am Rockaway Beach als Teil der Beach Sessions. In Rockaway reisten Tänzer in „Trisha Brown: In Plain Site“ entlang der Küste und zeigten einige von Browns frühen Werken. War es das Ende einer Ära? Die Kompanie hat gerade ihren ersten choreografischen Auftrag bekannt gegeben, was bedeutet, dass der Fokus nicht mehr nur auf Browns Tänzen liegen wird. Judith Sánchez Ruíz, ein ehemaliges Mitglied des Unternehmens, wird die Ehre erweisen. ( Lesen Sie unser Feature über das Unternehmen bei Rockaway .)
Ayodel Cassel
Selbst in einem überfüllten Theater sind manche Aufführungen intime Erlebnisse zwischen Ihnen und den Tänzern auf der Bühne. Bei der Bühnenversion von Casels „Chasing Magic“ – erstmals als digitales Angebot zu Beginn der Pandemie präsentiert – ging es darum, eine Gemeinschaft zu schaffen, einen energetischen Austausch für alle im Raum. „Wir wollen dich hören, wir wollen dich fühlen“, sagte Casel, ein außergewöhnlicher Stepptänzer, dem Publikum im Joyce Theatre. Was hatten die beiden Produktionen, online und live, beide unter der Regie von Torya Beard, gemeinsam, abgesehen von großartiger Musik und Tanz? Casels lockeres, lustiges Band, ihre bemerkenswerten Füße aus nächster Nähe, ihre transportierende Präsenz. Sie ist Luft – so frisch wie sie kommt. ( Lesen Sie unsere Rezension des digitalen „Chasing Magic“. )
Trajal Harrell
Die hauptsächlich in Europa lebende amerikanische Choreografin kehrte mit „Maggie the Cat“ nach New York zurück, einer berauschenden Mischung aus Laufsteg, Mode und einem energiegeladenen Ausgangspunkt: „Cat on a Hot Tin Roof“. Mit seiner „Maggie“ – ein Stück, eine Figur, eine Kraft? — Harrell schuf eine mutige, fröhliche Show, die die Vorstellung von Laufstegbewegungen als Tanz und alte Haushaltsgegenstände wie Kissen und Handtücher als Couture hervorhob. Es war ein klanglicher und optischer Genuss.
Alonzo König
In „Single Eye“, Kings leuchtender Premiere für das American Ballet Theatre, fügte dieser in San Francisco lebende Choreograf seinem Tanz, der von Jason Moran vertont wurde, die ganze Feinheit und Kraft der Natur hinzu. Die Art und Weise, wie er die Technik erforscht, macht den klassischen Tanz menschlicher und schillernder; das war auch in „Swift Arrow“ zu sehen, einem Duett, das er für Tiler Peck und Roman Mejia choreografierte und das im New York City Center aufgeführt wurde. ( Lesen Sie unsere Rezension zu „Single Eye“. )
New Yorker Ballett
Der Anblick, wie eine Generation zur nächsten übergeht, hat sich noch nie so dramatisch angefühlt wie jetzt beim City Ballet, wo talentierte Tänzer, vom Schulleiter bis zum Lehrling, die Kompanie neu gestalten und neu beleben. Es geht nicht nur um erstaunliche Technik: Tänzer wie Indiana Woodward, Unity Phelan, Anthony Huxley, Joseph Gordon, Jovani Furlan, Emily Kikta und Mira Nadon beleben, wie sie ihrem Tanz Individualität verleihen. Waghalsig, musikalisch, ungekünstelt hinterlassen sie bei jedem Schritt ihre Essenz. Und auch Pam Tanowitz‘ völlig frisches „Law of Mosaics“ (ich habe es auf dem Bild gesehen, nachdem die Vorstellungen wegen der Pandemie abgesagt worden waren) fühlte sich von seinen formellen, vielschichtigen Gruppenszenen bis hin zu seinen kraftvollen Soli wie eine Generalüberholung an. Es war das beste neue Angebot des City Ballet seit langem. ( Lesen Sie unser Kritiker-Notizbuch über die Herbstsaison. )
Alexej Ratmansky
Seit der russischen Invasion in der Ukraine hatte Ratmansky keine Lust mehr, einen neuen Tanz zu machen; aber er tat es trotzdem, diesen Herbst beim Pacific Northwest Ballet. Die daraus resultierende „Wartime Elegy“ – charmant, patriotisch, schrullig und gnädigerweise Teil des digitalen Programms des Unternehmens – war mehr als bewegend. Es war eine Erleichterung: Offensichtlich kann er einen neuen Tanz machen. In diesem Jahr gab es auch zwei kürzlich erschienene abendfüllende Ballette von Ratmansky, beide ausgezeichnet: Das Miami City Ballet präsentierte seine Version von „Swan Lake“, und das American Ballet Theatre, wo er der Artist in Residence ist, führte „Of Love and Rage“ auf. ein robuster, ausladender Tanz, inspiriert von einer frühen griechischen Prozessarbeit. Wie kommt es, dass keiner seiner Tänze in der nächsten Sommersaison des Ballet Theatre zu sehen sein wird? Es ist beunruhigend. ( Lesen Sie unsere Rezension zu „Of Love and Rage“. )
Twyla Tharp Dance
Das zweite Jahr in Folge im New York City Center beleuchtete Tharp die Herbstsaison mit einem transzendenten Programm – und einem Grund, die 1980er zu lieben. Ihre Paarung von „In the Upper Room“ (1986) mit „Nine Sinatra Songs“ (1982) war mehr als ein Tanzkonzert; es war ein Geschenk, erholsam und aufregend. Es hat mich daran erinnert, warum New York City etwas Besonderes ist, wie es ein Ort sein kann, an dem Meisterwerke geboren werden. „In the Upper Room“, ein Tanz über Mut zu Philip Glass, war der heroische, lodernde erste Teil. Das Programm endete mit „Sinatra“, einer zeitlosen, intimen Ausgrabung von Beziehungen. Es war, als würde man Wasser in einer Wüste finden. ( Lesen Sie unser Feature über Twyla Tharp im City Center. )
Anh Vo
Diese vietnamesische Tänzerin, Schriftstellerin und Aktivistin schafft riskante, erotische, rätselhafte und mutig humorvolle Werke; dieses Jahr habe ich zwei gesehen, bei Movement Research in der Judson Church im April und im Performance Space New York im Mai, als Teil von Moriah Evans‘ „Octopus“-Präsentation. „Yellow (For Love)“, gezeigt bei „Octopus“, bezieht sich auf die Balladen, die in Vietnam etwa ein Jahrzehnt nach Kriegsende verboten waren; es zeigte Vos unerschütterliches Engagement für den Körper, für Bewegung und dafür, kopfüber in die Tiefen des Tanzes einzutauchen.
Abby Z und das neue Dienstprogramm
In „Radioactive Practice“ zeigte Abby Zbikowski ihren eigenen Blick auf den Tanz. Es ist sehr körperlich und schweißtreibend, aber es verrät auch etwas darüber, was passiert, wenn eine sportliche Tat zu einer spirituellen wird. Bei New York Live Arts standen ihre Darsteller, die viele Stilrichtungen von postmodernem Tanz und Hip-Hop bis hin zu Synchronschwimmen und Kampfsport beherrschten, im Mittelpunkt für Tänze, die über die Geschichte eines Körpers und seine Konditionierung sprachen. Die Musik war herrlich laut. ( Lesen Sie unser Feature über Abby Zbikowski. )
Brian Seibert
Künstler, die wuchsen und sich neu gruppierten
Vielen Tanzshows im Jahr 2022 – insbesondere solchen, die verspätet aus dem Ausland ankamen und durch die Pandemie um ein oder zwei Jahre verzögert wurden – schien es an Frische zu mangeln, wie Essensresten oder Produkten mit abgelaufenem Verfallsdatum. Es reichte nicht aus, wenn eine Kompanie oder ein Theater suggerierte: „Das wollten wir schon früher zeigen.“ Diese Zeit war vergangen.
Einige Künstler haben jedoch die letzten ein oder zwei Jahre genutzt, um weiter zu wachsen. Für mich war die Breakout-Tänzerin des Jahres 2021 LaTasha Barnes, die fließend Jahrzehnte schwarzer Tanzinnovation überbrückt, aber die Versionen ihrer Show „The Jazz Continuum“, die sie und ihre Kollegen letztes Jahr debütierten, waren enttäuschend diffus. Als die Produktion im Oktober im Joyce Theatre ankam, hatte sie sich jedoch verändert – ihren Fluss gefunden, entdeckt, wie man das Gefühl eines geselligen Beisammenseins bewahrt und gleichzeitig das Niveau des Ensembles nahe der Brillanz von Barnes hält.
Während Barnes daran gearbeitet hat, wie sie in eine Gruppenshow passt, hat die großartige Odissi-Tänzerin Bijayini Satpathy gelernt, alleine eine Bühne zu halten. Seit mehr als zwei Jahrzehnten ein wesentliches Mitglied der Kompanie Nrityagram, hat sie sich 2018 selbstständig gemacht und gelernt, alleine eine Bühne zu halten. Dieses Jahr war sie Artist in Residence im Metropolitan Museum of Arka, und die kurzen Performances, die sie im Mai in verschiedenen Galerien gab, waren faszinierend experimentell. „Doha“, das abendfüllende Solo, das sie im September im Auditorium des Museums debütierte, war ein Durchbruch: eine Tänzerin, die sich auf die Tradition stützt, um eine persönliche Sprache für die Gegenwart zu schaffen.
Dennoch wurde die Tanzproduktion, die mich dieses Jahr am härtesten getroffen hat – die, an die ich mich nicht ohne starke Emotionen erinnern kann – kurz vor dem Ausbruch der Pandemie im Jahr 2020 geschaffen. Das New Yorker Debüt im April von „Higher Ground“, einem klassischen Ballett Stevie Wonder-Tracks, die Robert Garland für das Dance Theatre of Harlem choreografierte, schafften es, sowohl rückwärtsgewandt als auch zeitgemäß zu sein. Es erneuerte den Zweck des Tanztheaters, das Garland nächstes Jahr als künstlerischer Leiter leiten wird. Seine Zeit ist gekommen. (Lesen Sie unsere Bewertungen von „Das Jazz-Kontinuum“ und „Höhere Ebene,“ und unser Feature über Bijayini-Satpathie. )
Siobhan Burke
Akzent auf Gemeinschaft
Die Auswirkungen der dunkelsten Tage der Pandemie halten an, wenn auch nicht immer auf offensichtliche Weise. Nach so viel Isolation ist es wahrscheinlich kein Zufall, dass sich einige der bewegendsten und denkwürdigsten Aufführungen dieses Jahres durch den Geist der Gemeinschaft auszeichneten, den sie beschworen: ein Gefühl echter Freundschaft unter den Tänzern auf der Bühne, das ausstrahlte, um das Publikum in seinen Bann zu ziehen. Dieser Geist auch umschlossene Tänzer der Vergangenheit, Präsenzen gefühlt, aber nicht gesehen.
Die Feier der Abstammung, der künstlerischen Vorfahren, stand im Mittelpunkt von LaTasha Barnes‘ „The Jazz Continuum“, einer Show, die ich so sehr liebte, dass ich sie zweimal während der Woche im Joyce Theatre gesehen habe. Mit ihrem Team aus 15 herausragenden Tänzern und Musikern hat Barnes (die außergewöhnlichste von allen) Verbindungen zwischen Tanzformen herausgearbeitet, deren Ursprünge Jahrzehnte umfassen – Lindy Hop, House, Breaking, Voguing und mehr –, um ihre gemeinsamen Wurzeln im Jazz zu enthüllen. Aber das klingt akademischer, als es war. „The Jazz Continuum“ fühlte sich auch wie eine Party an, die zufällig ein Publikum hatte und sich mit dem scheinbar mühelosen Strom von Freunden entfaltete, die einen lustigen Abend miteinander verbrachten – und auch mit der Katharsis, die tiefe Hingabe an die Tanzfläche begleitet.
Der Boden selbst war fast ein Darsteller in „Can We Dance Here?“ vom brillanten Trio Soles of Duende: die Flamenco-Tänzerin Arielle Rosales, die Kathak-Tänzerin Brinda Guha und die Tapperin Amanda Castro. In einem intimen Theater in Gibney entfachten sie ein Gespräch zwischen ihren perkussiven Tanztraditionen, drei unterschiedlichen, aber verschlungenen Arten, Musik mit dem Boden zu machen. Während sich solche interkulturellen Experimente gezwungen anfühlen können, schienen ihre aus einem Ort echter Neugier und Freude an der Gesellschaft des anderen geboren zu sein. Eine andere rhythmusgetriebene Gruppe, Music from the Sole (unter der Leitung des Choreografen-Komponisten-Duos Leonardo Sandoval und Gregory Richardson), gedieh ebenfalls als Kollektiv in „I Didn’t Come to Stay“, einem Schub guter Energie im diesjährigen Herbst zum Tanzfest.
Eine unheimlichere Art von Zusammengehörigkeit entstand in John Jasperses „Visitation“ für Doug LeCours, Tim Bendernagel und Cynthia Koppe. Dieses weiträumige, aber komplexe Werk, das Geister und Gespenster beschwört, schaffte es, die weitläufige Bühne von NYU Skirball zu füllen und sich zu einem Höhepunkt zu entwickeln, in dem die drei Tänzer auf unheimliche Weise wie eine Einheit verstrickt erschienen. Gleichzeitig war es während des gesamten Stücks schwer, den Blick von Koppe abzuwenden, die eine still großartige Leistung ablieferte: So rigoros in ihrem Körper präsent, schien sie in eine andere Welt vorgedrungen zu sein. (Lesen Sie unsere Bewertungen von „Das Jazz-Kontinuum “ und „Können wir hier tanzen? “ und „Besuch.“ )
Die New York Times