Beim Telluride Cinema Festival, „Women Talking“ und andere Gesprächsthemen

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TELLURIDE, Col. – Beim Telluride Cinema Festival hier beschwören die „Zirkusdirektoren“, die Vorführungen an Orten wie zwei Schulsälen, einer Eishockeyhalle, einem alten Opernhaus und einem klassischen Kino mit nur einer Leinwand vorführen, gerne die pure Liebe herauf Kino als alleiniges Organisationsprinzip. Die Eigenart dieser jährlichen Wochenendveranstaltung am Labor Day, die ein paar tausend Reisende hoch in die Rockies lockt, um in dunklen Räumen inmitten einer spektakulären Landschaft zu sitzen, ist, dass sie sich über den Rummel und die Hektik anderer großer Festivals erhebt.

Es ist ein bisschen ein Mythos. Wirklich, weder das Kino – eine hybride Rückform, die von Geburt an mit dem Zeichen des Kommerz geprägt ist – noch die Cinephilia, die erhabenen Ästhetizismus mit viszeraleren, weniger respektablen Formen des Vergnügens verbindet, ist rein. Telluride, das in den letzten Jahren eine beeindruckende Anzahl zukünftiger Oscar-Preisträger für den besten Film präsentiert hat (darunter „Argo“, „Moonlight“ und „The Shape of Water“), strebt weder zu hoch noch zu niedrig an. Im besten Fall zeigt es, wie umfangreich und vielfältig, wie offen für individuelle Visionen und künstlerisches Risiko das Mainstream-Filmemachen sein kann.

Von Zeit zu Zeit ist das Beste von Telluride so gut, wie Filme nur sein können. So ging es mir 2016 bei der ersten Festivalvorführung von „Moonlight“. Die Stille, die den Raum nach der leuchtenden letzten Einstellung einhüllte, ist wie nichts anderes, was ich in meinem ganzen Kinoleben erlebt habe. Es schien die kollektive Entdeckung einer neuen Emotion darzustellen, eines Gefühls, das Erkennen und Offenbarung verbindet.

Etwas Ähnliches habe ich am Ende von „Women Talking“ gespürt, Sarah Polleys warmherziger und rigoroser Adaption eines Romans der kanadischen Autorin Miriam Toews aus dem Jahr 2018. Ich will den Vergleich nicht übertreiben: Das sind sehr unterschiedliche Filme. Aber was „Women Talking“ mit „Moonlight“ gemeinsam hat, ist eine absolute Konzentration auf die Besonderheiten der Geschichte und des Schauplatzes, die nichtsdestotrotz eine riesige, wenig erforschte Region des zeitgenössischen Lebens beleuchten. Eine Realität, die schon immer da war, wird wie zum ersten Mal gesehen.

In „Women Talking“ ist diese Realität sexuelle Gewalt gegen Frauen. Das Kino spielt in einer mennonitischen Kolonie, in der eine Reihe schrecklicher Vergewaltigungen ans Licht gekommen sind, die von einigen Männern der Gemeinde an Dutzenden von Frauen und jungen Mädchen begangen wurden, die in ihren eigenen Betten angegriffen wurden, nachdem sie mit einem Beruhigungsmittel für Rinder betäubt worden waren . Eine Gruppe von Frauen trifft sich, um zu entscheiden, wie sie reagieren sollen. Ein kolonieweites Referendum nur für Frauen hat bereits ausgeschlossen, nichts zu tun, also besteht die Wahl darin, zu bleiben und zu kämpfen oder zu packen und zu gehen.

Die Prämisse ist einfach und spannend, aber während die Frauen ihre Möglichkeiten diskutieren, wird die Komplexität ihrer misslichen Lage deutlich. sie verstehen klar die Natur ihrer Unterdrückung, und sie verstehen auch, dass sie mit allem und jedem verbunden ist, den sie kennen und lieben: ihrem Glauben; ihre Gemeinschaft; ihre Ehemänner, Brüder und Söhne.

Mit einer bemerkenswerten Ensemblebesetzung, zu der Jessie Buckley, Claire Foy, Rooney Mara, Judith Ivey und Frances McDormand gehören (die auch eine der Produzenten ist und deren Begegnung mit Toews‘ Buch nach #MeToo das Projekt in Gang setzte), „ Women Talking“ kann als Politthriller der besonderen Art bezeichnet werden. Es betrifft die Grundbedürfnisse – nach Gerechtigkeit, nach Sicherheit, nach einer Stimme – die der demokratischen Politik zugrunde liegen, und die Art und Weise, wie radikale Ideen über Freiheit und Macht aus der Geltendmachung dieser Bedürfnisse entstehen können. Der Nervenkitzel entsteht, wenn man miterlebt, wie diese Behauptung Gestalt annimmt, und ihre Kosten versteht.

Toby Jones, Mitte, und Michael Ward in „Empire of Light“. Anerkennung… Suchscheinwerfer Bilder

Man könnte sagen, dass der Feminismus von „Women Talking“ ein Thema der Feier hervorhebt, aber ich bin eher geneigt zu glauben, dass der Feminismus integraler Bestandteil von Tellurides Identität ist. Der Kampf von Frauen um Freiheit, Vergnügen und Kontrolle unter Umständen, die darauf angelegt zu sein scheinen, sie zu durchkreuzen, treibt die Erzählungen so unterschiedlicher Filme wie „One Fine Morning“ von Mia Hansen-Love, „Empire of Light“ von Sam Mendes, „Tár“ von Todd Field an. und „Lady Chatterley’s Lover“, Laure de Clermont-Tonnerres lebhafte und intelligente Adaption des einst berüchtigten Romans von DH Lawrence.

De Clermont-Tonnerre spielt Lawrences sexuelle Mystik herunter – obwohl es immer noch viel Sex gibt, der von Emma Corrin und Jack O’Connell in den Hauptrollen mutig simuliert wird –, während er seine immer noch aktuellen Vorstellungen von Klasse, Familie und der zerstörerischen Kraft des Verlangens hervorhebt. Der Feminismus des Films ist erfrischend geradlinig, weniger ein ideologisches Argument als eine Tatsachenbehauptung. Und das Gleiche gilt für die Feierlichkeiten selbst, bei denen Filme, die von Frauen inszeniert wurden, routinemäßig einen wesentlichen Teil des Programms ausmachen, was selbst heute noch selten auf Venedig oder Cannes zutrifft.

Nicht, dass männliche Filmemacher irgendwohin gehen würden. Was ich meine ist, dass sie – natürlich nicht alle – in ihre eigene Vergangenheit und in einigen Fällen in ihre eigenen Bauchnabel gehen. James Grays „Armageddon Time“ ist eine zutiefst traurige, pointiert autobiografische Geschichte, die in Queens in den frühen 1980er Jahren spielt. Ein jüdischer Sechstklässler namens Paul (gespielt von Banks Repeta) freundet sich mit einem schwarzen Klassenkameraden namens Johnny (Jaylin Webb) an und lernt einige harte Lektionen über die Grausamkeit der Welt und seine eigene Rolle darin.

Der Film, in dem auch Anthony Hopkins, Anne Hathaway und Jeremy Strong zu sehen sind, ist anfällig für Kritik an Sentimentalität und Wunschdenken, aber er trägt diese Verwundbarkeit offen und scheint sich seiner Grenzen bewusst zu sein, anstatt seine edlen Absichten zu verteidigen. Es geht nicht um liberale Schuld; es geht um moralische Reue.

Daniel Giménez Cacho in „Bardo: Falsche Chronik einer Handvoll Wahrheiten“. Anerkennung… Limbo-Filme/Netflix

Bedauern gehört zu den Themen von „Bardo, False Chronicle of a Handful of Truths“, Alejandro G. Iñarritus dreistündigem Grübeln über Tod, Ruhm, Familie und die endlos angespannte Beziehung zwischen Mexiko und seinem lauten Nachbarn im Norden, aber seine Stimmung ist trotzig , widerspenstig und bombastisch.

Viele Kritiker beim Filmfestival in Venedig waren letzte Woche verächtlich: Eine grandiose, selbstverherrlichende Aussage wie diese ist ein leichtes Ziel. Die Grenze zwischen persönlicher Erforschung und solipsistischer Zügellosigkeit ist schmal, und sie wird von Iñaritu sicherlich überschritten, hier wie in „Birdman“. Aber die Größe seines Egos, die Unbescheidenheit seiner Verschmelzung der Geschichte zweier Nationen mit den Schwankungen seines eigenen Bewusstseins wird von der Fremdartigkeit und Dynamik seiner Bilder übertroffen.

„Bardo“ ist sein „8½“, mit einem wunderbaren Hängehund, Daniel Giménez Cacho, der Marcello Mastroianni als Alter Ego des Regisseurs die Pflicht erfüllt, ein Journalist, der zum Dokumentarfilmer wurde und sein Leben und seine Arbeit zwischen Mexiko-Stadt und Los Angeles aufteilt. Im Gegensatz zu Mastroiannis Figur, die in einem charakteristischen Felliniesken Wirbelsturm aus künstlerischem Ehrgeiz und sexueller Manie gefangen ist, wird Giménez Cachos Silverio von den Anforderungen der Vaterschaft, der Komplexität der nationalen Identität und der schwebenden Präsenz des Todes heimgesucht. Er ist kein Sensualist, er ist ein Intellektueller.

Hier gibt es viel auszupacken; Der Film ist ein Überseekoffer, vollgestopft mit großen Ideen, obskurem Groll, intimen Erinnerungen und Insider-Witzen. Obwohl ich die Ungeduld einiger meiner Kollegen verstehe, neige ich dazu, „Bardo“ und Iñaritu gegen ihre reflexartige Verhöhnung zu verteidigen. Da das Filmemachen in großem Maßstab zunehmend von den seelenlosen Unternehmensimperativen des Franchise-Aufbaus und des Fan-Service abhängig gemacht wird, brauchen wir mehr große, chaotische, eigenwillige Filme wie diesen.

Cate Blanchett als gefeierte Dirigentin in „Tár“. Anerkennung… Fokusfunktionen

Wir brauchen auch mehr Filme wie „Tár“, obwohl ich keine Ruhe finde, dass ich jemals einen Film wie „Tár“ gesehen habe. Seine ersten Szenen scheinen eine fast selbstparodistische Reise durch die hochkarätige Kultur des 21. Jahrhunderts zu versprechen, als Lydia Tár, eine weltberühmte Dirigentin, gespielt von Cate Blanchett, vom echten Schriftsteller Adam Gopnik im New Yorker Şenlik interviewt wird. Und während die Aura von philanthropisch begabtem Luxus und demonstrativ zurückhaltendem gutem Geschmack nie ganz verschwindet – wenn überhaupt, verstärkt sie sich, bevor sich die Aktion in Berlin beruhigt –, steigt eine widerspenstige und komplizierte künstlerische Leidenschaft an die Oberfläche.

Diese Leidenschaft ist sowohl Fields Thema als auch seine Motivation. Die Musik, die Lydia liebt – Mahler ist ihr besonders zugetan –, vermittelt durch fanatische Disziplin überwältigende, manchmal heftige Emotionen. Field, der nach langer Abwesenheit wieder Regie führt, balanciert apollinische Zurückhaltung mit dionysischer Raserei aus. „Tár“ ist akribisch kontrolliert und auch unheimlich wild, ähnlich wie Lydia selbst. Es ist zum Teil eine #MeToo-Parabel über persönliche und berufliche Grenzen, in der eine prominente Kulturfigur des räuberischen Verhaltens verdächtigt wird. Field findet eine neue Art, die ewige Frage nach der Trennung des Künstlers vom Rücken zu stellen, eine Frage, die seiner Meinung nach nur durch eine andere Frage beantwortet werden kann: Bist du verrückt?

Lydias Nachname ist ein Anagramm für arka – und auch, wie ein desillusionierter Akolyth anmerkt, für rat. Das Streben nach Schönheit ist tückisch; unsere erhabensten Bestrebungen vermischen sich mit unseren niedrigsten Impulsen. Das weiß jeder Filmliebhaber, aber es ist immer gut, daran erinnert zu werden.

Die New York Times

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